LOS ESCRITOS DE AQUEL QUE NO ES ESCUCHADO

La Ley: Invisible (1995)

2012-01-20T18:22:00.000-08:00

1_ Animal
2_ Día Cero
3_ El Duelo
4_ Deuxieme fois
5_ Hombre
6_ R & R
7_ Invisible
8_ Fausto
9_ Cielo Market
10_El Rey
11_The Corridor
12_1 - 800 Dual

Durante 1994, La Ley se había transformado en una de las bandas más exitosas de Chile. Eso se debía principalmente a la carismática voz de Beto Cuevas, el talento del baterista Mauricio Clavería, el tranquilo y efectivo bajo de Luciano Rojas, y las composiciones del guitarrista y fundador Andrés Bobe. Con dos notables discos en su haber, Doble Opuesto (1991) y La Ley (1993), y un EP se habían echado al bolsillo una gran cantidad de fans y fueron participantes de algunas ediciones del Festival de Viña del Mar, lo cual les siguió sumando reconocimiento en la prensa especializada. Bobe tenía la idea de expandir el sonido hacia otros terrenos y entró en conversaciones para que Rodrigo “Coti” Aboitiz volviese a la banda para encargarse de los teclados (Coti solo participó en el casette Desiertos), pero un fatídico 10 de abril, cinco días después de la muerte de Kurt Cobain y la misma noche en que Depeche Mode debutaba en escenarios chilenos, Andrés Bobe sufre un accidente en su moto, y su luz se apagó dejando un gran legado, y un grupo sin fuerza motriz.

Cuando todos pensaban que era el fin de la banda, Beto Cuevas decide que el proyecto debe continuar, así deciden contratar al guitarrista de una banda llamada Anachena, Pedro Frugone, y contratan al productor Humberto Gatica, quien se hizo de renombre por producir un track del disco Bad de Michael Jackson, y en esos años se dice que trabajaba para el disco HIStory, y así en 1995 nace el mejor álbum de La Ley: Invisible.

El disco se despega un poco del sonido de los primeros álbumes, pero mantiene en parte su esencia, lo cual se demuestra con algunos oscuros tracks, como lo son la grandiosa “Día Cero” y la sensualidad rockera de “Animal”. Pero también tenemos canciones directamente comerciales, como la muy conocida “El Duelo”, y seguimos con canciones en idiomas europeos, como la balada francesa “Deuxieme Fois”, o la hermosa “The Corridor”. Uno de los tópicos habituales del álbum es la sexualidad, como en la electrónicamente algo ambigua “Fausto” que nos lo muestra con su extraño estribillo: “Negociaría mi alma por tenerte cerca y darte mi eternidad”. Pero la ambigüedad domina el cierre del disco con la tétrica pero atmosféricamente bella “1 – 800 Dual”, que con sus teclados y baterías programadas nos adentran a los terrenos más oscuros del erotismo. “Invisible” puede tratarse de la presencia de Bobe dentro de la banda, mientras que “Cielo Market” es una crítica a los medios de farándula, en especial a quienes especulaban sobre el futuro de la banda tras la muerte de Andrés Bobe, quien contribuyó con cuatro canciones antes de morir (las ya mencionadas “Animal”, “El Duelo”, “1 - 800 Dual” y la rockera “R & R”). Quizás la canción que desentona un poco es “El Rey”, eso se debe un poco a los molestos tecladitos que imitan trompetitas, pero la letra es bien discreta.

El disco fue un éxito de ventas y criticas, y claro, contiene el mejor material de la banda y nos hizo entender que sin Bobe, las cosas podían seguir. Pero esa opinión comenzó a mermar con el lanzamiento de su siguiente trabajo Vértigo, el cual bajó la calidad de composición y experimentación para hacer un disco de horrendo sonido. Aboitiz y Rojas salieron de la banda por diferencias con Beto Cuevas (El primero fue despedido por el vocalista), y un par de años después formaron otro famoso grupo de rock/pop chileno llamado Saiko. Mientras tanto La Ley opto por un sonido más comercial que, a pesar de hacerlos merecedores de Grammys, no contentaron a los fans que preferían el sonido más new wave de sus primeros trabajos. La Ley se separo el 2005 con conciertos que reunieron a la formación de Invisible por última vez, pero el legado de este tremendo trabajo sigue, y espero nunca sea olvidado. Ya que este álbum es uno de los que provoco un antes y después en la manera de abordar el pop en Chile.

Dia Cero

Veo lo que creo ver y no veo más
de lo que pueda contar no recuerdo nada
no hay necesidad de hablarlo más
Creo creer, temo temer que esto es verdad
la vida se nubló en su totalidad
Estoy perdido
Y no sé mirar lo que dejé allá atrás
en ese camino largo que un día me vio caminar
nació esta ciega herida
que borró hoy día mi ayer
Personas extrañas hablan de quien fui
pretenden darme valor sin que sepa nada
no hay necesidad ni siquiera de llorar por estar así
Mi amnesia me dice absolutamente nada más
que esta sensación de ansiedad
en ese camino largo que un día me vio caminar
quemé una biografía
y soplé cenizas del ayer
no intenten enseñarme
quien me quiso y a quien debo amar
comienza el día cero
y mañana su continuidad
Sha da da da daun
sha da da da daun
y soplé cenizas del ayer
sha da da da daun
sha da da da daun
y soplé cenizas de mi ayer
No intenten enseñarme
sha da da da daun
sha da da da daun
sha da da da daun
quien me quiso y a quien debo amar
sha da da da daun
sha da da da daun
sha da da da daun
sha da da da daun
quien me quiso y a quien debo amar

"Dia Cero" se transformo en un clasico de clasicos, aqui un registro de una de las canciones mas oscuras del disco

Otras recomendaciones: Doble Opuesto (1991)
Alejese de: Vertigo (1997)

TOP 50 DE LOS PEORES DISCOS SEGUN EL SR. ALGA PARTE I

2012-01-05T19:46:00.000-08:00

Un pequeño ranking que hice... Este es el primer capitlo:

ESCRITO, DIRIGIDO Y PRODUCIDO POR: Sr. Alga
Gracias a Tharkim por el dibujo del video... Pueden revisar su material en:
http://tharkim.wordpress.com/

Queen: Hot Space (1982)

2011-12-21T10:10:00.000-08:00

1_ Staying Power
2_ Dancer
3_ Back Chat
4_ Body Language
5_ Action This Day
6_ Put Out the Fire
7_ Life Is Real (Song for Lennon)
8_ Calling All Girls
9_ Las Palabras de Amor (The Words of Love)
10_Cool Cat
11_Under Pressure (With David Bowie)

(Escrita originalmente el 6/6/2010)

¿Alguien me puede decir qué pasó aquí? ¿Dónde quedo la genialidad? ¿Dónde quedo la consigna de NO USAR SINTETIZADORES? ¡¿Alguien puede decirme en qué pensaba Queen al lanzar Hot Space?! Claro quizás el éxito de The Game, aquel LP de 1980 que vendió proporciones estratosféricas, que también tenía sintetizadores se salvaba por tener buenas canciones, pero el éxito de “Another One Bites the Dust” en EEUU y la influencia de Michael Jackson, hizo que Queen olvidara las buenas cosas que hizo en álbumes como Queen, el operático Queen II, el rockero Sheer Heart Attack, el fantástico A Night at the Opera, el algo popero Jazz, el grandilocuente A Day at the Races, el hímnico News of the World, y aprendiera a abusar del sintetizador, aun mas que el aburridísimo Flash Gordon, la banda sonora para una de las películas más malas de la Historia. Claro hacer música bailable es algo tentador para cualquier grupo con éxito, y como no Freddie quería algo de eso y junto a su amigo fan del funk y bajista John Deacon hicieron mucho material y junto a un anonadado Brian May y un Roger Taylor que no se sentía cómodo con el estilo de música impuesto, compusieron un set de 10 canciones, además decidieron agregar un single pop junto a David Bowie compuesto en 1981 para atraer más compradores y así nace esta defecada, considerada como una de las mayores decepciones del rock, del año 1982 y de la década de los ochenta en general: Hot Space.

Aparte de tener la peor portada que he visto en mi vida, el inicio del disco es malo, cornetitas al más puro estilo Earth Wind and Fire en su peor decadencia abren la ridículamente bailable “Staying Power”. Eso me anuncia que algo anda mal con Queen, sintetizadores horripilantes y bastardos que reventarían a cualquiera, nos inundan de defecadas tales como la podredumbre de la cursilería mas grande llamada “Las Palabras de Amor”. En el nombre de Lucifer, Dios, Ala, Buda o quien sea, ¿en qué pensabas mi no tan estimado Brian May? Quizás alguien le dijo que una canción cursi con letras en español tales como "Despacito mi amor" iba a impresionar a alguien, pero esta canción no se la dedicaría ni al más odiado de mis enemigos ni a la amante menos querible. “Cool Cat” es una pieza que me desconcierta y que no puedo escuchar aunque quiera, Freddie creyéndose Prince o Sylvester con un bajo tan malo y tan somnoliento que ya quisieran en alguna canción de Barry White. “Action This Day” es tan poco seria que el intro se parece al ritmo de “Maniac”, esa canción de Michael Sembello que salía en el film Flashdance, pero con el grupo cantando tan mal como nunca lo había hecho, y con un coro tan horrible como los desechos del Rio Mapocho. Ay por Dios, díganme, ¿hay algo más malo que llegar a escuchar “Dancer” o “Life is Real”? Claro la primera es malísima en términos mayúsculos, y la segunda es un tributo a Lennon que me hace acordar más del decadente Elvis Presley que del guitarrista y compositor de Liverpool. “Calling All Girls” tiene la peor letra que le he escuchado a Roger Taylor y claro, esa doblada del “CALLING ALL BOYS, BOYS” me las hincha a un diámetro que ni imaginan. El titulo a las peores canciones se la llevan “Back Chat”, que es la pieza que lleva a quemar tu disco de Queen y correr a buscar los viejos clásicos de Queen como por ejemplo “March of the Black Queen” o “Bohemian Rhapsody”, y la segunda es la peor canción de toda la carrera de Queen, “BODY LANGUAGE”. Es comprensible que Freddie salía cada vez más del closet, pero esta canción es insulto, no sólo a la dignidad de cualquier persona, sino que es la peor canción homosexual que he oído. Si quieres homosexuales que hagan cosas mejores escuchen a Erasure o los primeros discos de Elton John hasta 1975. Claro Freddie tiene mejores himnos para expresar este deseo, como “Don`t Stop Me Now”, pero la batería sintetizada y el bajo sintetizado me hacen vomitar, claro que no es peor que “Living on My Own”, aquel gay parade de la mal lograda carrera solista de Mercury. Si, quizás “Under Pressure” salve un poco ya que es un número simpático, pero el hecho de que cierre el disco no me gusta y me carga, no soy capaz de escuchar toda esta mugre para llegar a este temita de la línea de bajo clásica.

El fracaso fue brutal en todos los sentidos, ventas, crítica, fanaticada decepcionada, discoteque que evitaban los temas, tensiones dentro del grupo. Algo de dignidad recuperaron con algunos temas de su posterior placa, The Works, y volvieron a caer un poco mas con A Kind of Magic y The Miracle, se recuperaron con Innuendo y Freddie dejó este mundo aquejado de la maldita enfermedad llamada SIDA. El disco fue la peor decepción para todos los fans que amamos la música de Queen y si por esas casualidades amas este disco es que definitivamente tienes un problema. Si no te bastan estas razones entonces ve y escucha esta escoria de la humanidad, te darás cuenta que no miento.

LAS PALABRAS DE AMOR

Don't touch me now
Don't hold me now
Don't break the spell darling
Now you are near
Look in my eyes and speak to me
The special promises I long to hear

Las palabras de amor
Let me hear the words of love
Despacito mi amor
Love me slow and gently

One foolish world so many souls
Senselessly hurled through
The never ending cold
And all for fear and all for greed
Speak any tongue
But for God's sake we need

Las palabras de amor
Let me hear the words of love
Despacito mi amor
Let me know this night and evermore

This room is bare
This night is cold
We're far apart and I'm growing old
But while we live
We'll meet again
So then my love
We may whisper once more
It's you I adore

Las palabras de amor
Let me hear the words of love
Despacito mi amor
Touch me now
Las palabras de amor
Let us share the words of love
For evermore evermore
For evermore.

Y aca tiene, la peor canción de toda la discografia de QUEEN:

Otras mediocridades: Flash Gordon (1980), The Miracle (1989)
Acerquese a: A Night at the Opera (1975)

Yes: Relayer (1974)

2011-12-17T15:53:00.000-08:00

1_ The Gates of Delirium
2_ Sound Chaser
3_ To Be Over

Para los que han leído mis anteriores artículos en este blog, no es un misterio cuanto me gusta Yes, es más, hasta hice un análisis completo de su discografía hace algunos meses. Este “fanatismo” si se le puede llamar así, se lo debo a un gran amigo, quien llegó cierto día a mi hogar con casi todos los discos de esta gran banda. Gracias a él (a quien por cierto le debo mucho), conocí las bondades de una de las obras maestras del Rock Progresivo, y me refiero al fantástico disco Close to the Edge de 1972, o el fascinante trabajo cohesivo de The Yes Album (1971), las maravillosas piezas extensas de Fragile (1971), y tardé años en valorar una de sus obras más extensas y experimentales, llamada Tales from Topographic Oceans, lanzado en 1973. También oía maravillosa música creada por algunos de los músicos más virtuosos, como por ejemplo el baterista algo chascón llamado Bill Bruford, quien abandonó a la agrupación al terminar su obra de 1972, y a Rick Wakeman, quien no se fue muy contento después de terminar la gira de su extenso y no muy valorado disco del año siguiente. En 1974, Yes se quedaba reducido a la voz de Jon Anderson, el virtuoso bajo de Chris Squire, el talento de la guitarra de Steve Howe y la potencia de la batería de Alan White, pero se les une a ellos Patrick Moraz, un tecladista de una índole mas jazzista que la de Wakeman. Así, con esta formación, lanzaron uno de los discos más infravalorados de la agrupación británica, y que también fue uno de los primeros que escuché, además de contener una de las portadas más hermosas de Roger Dean, me refiero a Relayer.

Este disco ha sido ignorado por muchos debido a que no participa Rick Wakeman, sino un desconocido suizo que apareció de la nada, pero créanme, a pesar de que no supere la calidad de Rick, las intervenciones de Patrick en este álbum son dignas de admirarse (No así la gira donde masacró todos los temas del repertorio clásico). Pero lo más destacable es quizás las complejas líneas de bajo de Chris Squire, que se oyen acomodadas a este nuevo sonido que Yes experimenta. La estructura del disco es similar a la de Close to the Edge, es decir una pieza central que ocupaba todo un lado del vinilo, mas dos canciones algo más breves, pero de una extensión aproximada de diez minutos cada una. Y la pieza central este vez es “The Gates of Delirium”, una composición de 21 minutos basada en la novela más reconocida de Tolstoi, War and Peace, cuya interpretación es realmente fascinante, al igual que la estructura de suite que posee. Comenzamos con un preludio a la batalla, con una buena base rítmica que contiene a los sintetizadores y solos de guitarra de Howe, mientras Anderson, acompañado por Squire, nos canta de la manera más sublime, como sólo este grupo puede hacerlo. Luego de 8 minutos comienza la sección de la “batalla” donde la percusión, al igual que “Ritual” (La canción más experimental del anterior disco), toma parte importante para dar la oscura ambientación necesaria, además de la “competencia” entre teclados y guitarra. Pero todo termina en un momento de paz, con la sección denominada “Soon”, donde Anderson trae la calma con su voz y el sonido de la Steel y el mellotrón. Esta última sección, lanzada como single, es una de las composiciones más hermosas de la banda, si no me cree, escúchela en alguno de los miles de audio que circulan por ahí.

Las dos piezas siguientes llaman la atención por lo distintas que son una de otra. La primera de ellas es la demasiado experimental “Sound Chaser”, una canción donde se denotan las nuevas influencias del Jazz Fusión en Yes, como la base rítmica de White y los solos de bajo de Squire, aparte de la casi nula intervención de Anderson en la canción. El solo de guitarra es sencillamente espectacular, y los pocos timbales que lo adornan y el teclado de fondo hacen que adquiera un ambiente enigmático, y el brevísimo solo de teclado de Moraz es efectivo, a pesar que no es lo mejor de la discografía de la banda. El defecto principal es que la parte rápida de la canción se vuelve un poco larga, y la intro se me hace un poco larga, pero no quita el sentimiento de satisfacción a la experimentación de este tema. La segunda pieza es “To Be Over” otra belleza que cierra el álbum, con excelentes líneas de guitarra, un buen bajo, y los constantes mellotrones y fondos hechos de teclado y una breve intervención de sintetizadores, pero la voz de Anderson ocupa un espacio importante, para dar paso al fade que cierra este álbum.

Relayer es un álbum destacado, y parte esencial para entender la evolución que llevaba a cabo la banda por esos años. Después de este álbum, un breve hiato, y una gira para promocionar sus discos solistas, Patrick Moraz es reemplazado por el retornado Rick Wakeman, con quienes lanzan otra de sus obras maravillosas, me refiero a Going for the One. Pero este disco debe ser digno de ser reconocido como una de los mejores trabajos de la banda, como parte de su maduración definitiva, que alcanzo la cumbre con su siguiente trabajo, pero que luego fue cuesta abajo. La época del Jazz Fusión es una parte destacable que tuvo un punto negro: La gira, la cual, como mencione anteriormente, tuvo el defecto de que Moraz no pudo con ninguno de los solos clásicos. Consideren solamente escuchar el álbum y no los bootlegs, créanme ¡NO SE ARREPENTIRÁ!

The Gates of Delirium (Excerpt)

Soon oh soon the light
Pass within and soothe the endless night
And wait here for you
Our reason to be here

Soon oh soon the time
All we move to gain will reach and calm
Our heart is open
Our reason to be here

Long ago, set into rhyme

Soon oh soon the light
Ours to shape for all time, ours the right
The sun will lead us
Our reason to be here
The sun will lead us
Our reason to be here

Una de las canciones mas hermosas de Yes, además de la pieza mas destacable del disco... Aqui esta: The Gates of Delirium

Otras recomendaciones: Yes (1969), Time and a Word (1970), The Yes Album (1971), Fragile (1971), Close to the Edge (1972), Tales from Topographic Oceans (1973), Going for the One (1977
Alejese de: Talk (1993)

High School Musical (2006)

2011-12-10T14:07:00.000-08:00

(ALERTA DE SPOILERS)

Díganme… ¿han visto una película que les haga desear realmente que nada de lo que vieron fue real? Claro que sí, yo por ejemplo tengo muchas, entre ellas están Batman & Robin (1997), The Twilight Saga: New Moon (2009), Star Wars Episode I: The Phantom Menace (1999), entre otras. Pero hay un género que no puedo pasar por alto, y ese es el de los musicales. Claro ha habido películas que han sido parte importante del recuerdo de muchas generaciones, como la algo trillada, pero siempre bien recibida, Jesus Christ Superstar (1973), basada en la famosa ópera rock de 1970, otras taquilleras como Moulin Rouge de 1999, y por supuesto que hay cosas extrañas, como la oscura Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street (2007), que cumplen con lo que más deseamos, que nos cuenten una historia y que esta vaya acorde a las canciones. Pero claro, luego de que estas brillantes obras arreglaran un genero mal tratado por las constantes reediciones de las horrendas películas de Elvis Presley o la sobreexposición de aquella película de John Travolta que no nombraré, la compañía Disney tuvo la idea de explotar este género, y estoy hablando de expertos en el área de musicalizar historias, recordando películas fantásticas como las que hizo con Pixar, o la simpática producción de Tim Burton para cierto esquelético personaje, o por supuesto aquellas maravillas animadas que golpearon nuestras emociones. Pero lo que no sabíamos, era que la nueva película trataría de manera random problemas que adolecentes con posibilidades tienen (y no estoy generalizando). Así nace durante el verano estadounidense del 2006, High School Musical.

Analicemos esto durante cinco minutos… la película comienza con una fiesta de año nuevo donde dos jovencitos se conocen, se enamoran (tan rápido como una eyaculación precoz o una prostituta consiguiendo cliente) y cantan una insulsa canción, que ni siquiera veo el por qué, claro un karaoke, los guionistas definitivamente necesitaban que cantaran, mínimo una introducción más clara de quienes son estos chicos random, interpretados por Vanessa Hudgens y el rubio Zac Efron. Y aquí todo se va al carajo, porque la voz que se oye no es de este chico rubio, tiempo después nos enteramos que al igual que Danny Elfman lo hizo en The Nightmare Before Christmas, las canciones donde participa el personaje de Troy Bolton (No es Bolson, eso es otra película) son interpretadas por un tal Drew Seeley, claro que a diferencia del legendario compositor Burtoniano, que exigió cantar las canciones del carismático Jack, Seeley lo hizo debido a que la voz de Efron no era para nada talentosa. Ahora pasamos a otro plano, donde vemos que el chico rubio entra a clases y se encuentra con la chica, que casualmente y por obra de magia (y no de cierto ratón mascota), se cambia a la misma escuela. Y así comienzan una serie de escenas que me resultan molestas, como por ejemplo la interpretación de random de cierta canción llamada "Get'cha Head In the Game", por el amor de Dios, además la canta un equipo de basquetbol, y por lo tanto deberían estar en un partido y no cantando y bailando cual bailarinas de flashmob, la introducción del molesto personaje interpretado por Ashley Tisdale, que por cierto tiene la voz más sobre producida, cosa que por lo que se no era tan necesario (¿o sí?), y su amanerado hermano cantando canciones cursis para un casting, del cual participan los personajes principales y claro ganan, que lindo y tierno… ¡QUE HORROR! Ahora la escena más ridícula es cuando interpretan “Stick in the Status Quo”, debido a que supuestamente dicen que no deben salir de su papel, cuando claramente todos lo hacen. Pongamos un ejemplo, una chica del grupo de intelectuales dice amar el hip hop y el break dance, a lo cual sus compañeros de grupo la increpan, y luego SE PONEN A BAILAR BREAK! En el nombre de Jesus, ¿que no debían salir de su papel? Esto no tiene sentido, de hecho no concuerda para nada con la idea de la letra de la canción. El resto del filme es más de lo mismo, es decir, estereotipos, canciones cursis para momentos de tristeza, como la interpretada por Vanessa, y cierto giro argumental obvio que le da “sabor” al conflicto y todo termina bien. Ah y claro, por supuesto, todo el casting canta una canción con mensaje positivo, moralejas y… Termina esta asquerosa bosta.

El musical es una mala idea, las letras de las canciones no concuerdan a veces con la historia, es más, parecieran estar colocadas de manera random para hacerle honor al nombre del filme, porque créanme cuando les digo que la historia corre sin la necesidad de las canciones. Además las voces son insufribles, sobre todo la de Zac/Drew o la de Lucas Grabeel, o la contrariedad y estúpida performance de Corbin Bleu, es más, sus diálogos no coinciden con lo que vemos en la película. Claro que la película triunfó y aparecieron secuelas mas nefastas, como aquella dirigida al cine llamada High School Musical 3: Senior Year (2008) o la spin off innecesaria de Sharpay’s Fabulous Adventure (2011). Disney mando al carajo todo el talento (si es que se puede llamar) de lo que le quedaba y por supuesto sobreexplotó los musicales con franquicias igual de malas como Camp Rock. Si Disney aún alegra tus días, es porque o está repitiendo sus hermosos clásicos o porque eras una quinceañera con ansias de tramas ridículas y canciones aleatorias, mejor recurre a tu Ipod con canciones de Justin Bieber, que por lo menos no ha hecho un musical… ¿O sí?

La escena mas incoherente de la pellcula... y por asi tambien la cancion mas nefasta

Gorillaz: Demon Days (2005)

2011-12-01T18:49:00.000-08:00

1_ Intro
2_ Last Living Souls
3_ Kids with Guns
4_ O Green World
5_ Dirty Harry
6_ Feel Good Inc.
7_ El Mañana
8_ Every Planet We Reach Is Dead
9_ November Has Come
10_All Alone
11_White Light
12_DARE
13_Fire Coming Out of the Monkey’s Head
14_Don’t Get Lost in Heaven
15_Demon Days

Si tú le dices a alguien que cuatro personajes salidos de una caricatura del tipo comic tienen una banda que ha triunfado en las ventas de discos alrededor del mundo, puedes esperar dos respuestas, una más lógica que la otra: 1) Estas demente o 2) estás hablando de Pulentos, la ridícula banda infantil chilena que se basaba y copiaba el mismo el concepto. Pero cuando vas a las disqueras y ves discos como el que hablaremos hoy, te darás cuenta que ambas respuestas estaban erradas, y que cuatro personajes de caricatura triunfan en la industria musical. Gorillaz es el proyecto de Damon Albarn, vocalista del célebre grupo Blur, y el dibujante Jamie Hewlett es una de las bandas más destacadas en lo que fue la década pasada, sobre todo por la mezcla de estilos que poseían sus canciones, que abordaban desde el furioso punk, al calmado reggae, un sofisticado rock, y un hip hop de proporciones épicas, como aquel clásico single del 2001 que tenía como nombre Clint Eastwood, que además fue acompañado de uno de los videos más recordados de los pasados diez años. Pero el 2005, la banda compuesta por el desdentado y ciego cantante 2-D, un baterista de aspecto rapero llamado Russel, el vampiresco bajista Murdoc, y la pequeña asiática guitarrista Noodle, lanzan uno de los discos más hermosos de la anterior década, Demon Days.

La intro nos abre las puertas de un mundo nuevo, evolucionando lo aprendido en su discreto debut del 2001, aspecto que queda más que demostrado en “Last Living Soul” y sobre todo en la rapera “Kids with Guns”, una de las mejores tomas vocales de Albarn en lo que lleva del proyecto, pero que con la base rítmica y los sintetizadores, pero por sobretodo la compañía de Neneh Cherry, logra un efecto atmosférico único. “O Green World” parte como una vitrola abandonada, pero se transforma en el fondo perfecto de una película de ciencia ficción, que nos da el preludio perfecto para los dos clásicos instantáneos del álbum, la bailable “Dirty Harry” y la hímnica “Feel Good Inc.” Uno de los temas más hermosos de este trabajo es “El Mañana”, que logra un melancólico ambiente, tomas vocales sublimes, y una buena base rítmica.

Luego de tres candidatos seguros a ser éxitos inmortales, llegan temas algo más experimentales, como por ejemplo la inquieta, pero bien posicionada “Every Planet We Reach Is Dead”, o el tranquilo hip hop de “November Has Come” que cuenta con la interpretación de MF Doom, o la extraña y bailable “All Alone”, el rock visceral de “White Light” (Pónganle atención a su parte más épica). Luego de movernos al ritmo de “DARE”, el ya fallecido Dennis Hopper nos narra de manera sombría “Fire Coming Out of a Monkey’s Head”, que toma cierta progresión cuando la voz de Damon nos adentra a la mini suite que cierra el disco, el canto sagrado de “Don’t Get Lost in Heaven” con sus hermosos arreglos góspel, y el enigmático reggae coral de “Demon Days”.

Demon Days dio la madurez que tanto se buscaba alcanzar en la banda, y déjenme decirles que realmente es efectivo, sobre todo por la variación de estilos y la participación de invitados de gran talla como el ya mencionado Dennis Hopper, el rapero De La Soul, el fallecido Ike Turner, entre otros. Cinco años después lanzaron otro gran trabajo como lo fue Plastic Beach, que a pesar de ir en la misma dirección y de ser un disco realmente notable, no supera la calidad musical e influencia que este álbum significó en el proyecto Gorillaz. Mientras tanto en el mundo de las caricaturas, Cyborg Noodle hace de las suyas reemplazando a la verdadera asiática guitarrista, compositora de los temas de uno de los discos más espectaculares creados por un grupo de caricaturas… Y de grandes músicos, por qué no decirlo.

Kids with Guns

Kids with guns
Kids with guns
Taking over
But it won't be long
They're mesmerized
Skeletons
Kids with guns
Kids with guns
Easy does it, easy does it, they got something to say "no" to

Drinking out (is she real, is she)
Pacifier (is she real, is she)
Demon souls (is she real, is she)
Street desire (is she real, is she)
Didn't mean to (is she real, is she)
But it won't be long (is she real, is she)
Kids with guns
Kids with guns
Easy does it, easy does it, they got something to say "no" to

And they turn into monsters
Turning us into fire
Turning us into monsters
It's all desire
It's all desire
It's all desire

Drinking out
Pacifier
Sinking soul
There you are
Doesn't make side to
But it won't be long
Cause kids with guns
Kids with guns
Easy does it, easy does it, they got something to say "no" to

And they turn into monsters
Turning us into fire
Turning us into monsters
It's all desire
It's all desire
It's all desire

Is she, is she real, is she
Is she real, is she (it's real)
Is she, is she real, is she
Is she real, is she (it's real)
[etc]

Is she is she real

Uno de los singles clasicos de Demon Days, fue con el cual todos lo conocimos... Esto es Feel Good Inc.

Otras recomendaciones: Gorillaz (2001), Plastic Beach (2010)
Alejese de: Ninguno

Sr. Alga examina la serie de peliculas de Batman (1989-1997)

2011-11-30T19:09:00.000-08:00

Mi opinion sobre el Line Up de Lollapalooza

2011-11-21T14:07:00.000-08:00

THESTX tambien decidio subir un video sobre el tema se los dejo aqui

VISITEN EL BLOG DE THE STX
Creame no sea arrepentira...

Pensamientos Random del Sr. Alga

2011-11-20T18:56:00.001-08:00

Coldplay: Mylo Xyloto (2011)

2011-11-09T15:42:00.000-08:00

1_ Mylo Xyloto
2_ Hurts Like Heaven
3_ Paradise
4_ Charlie Brown
5_ Up Against the Wall
6_ M.M.I.X.
7_ Every Teardrop Is a Waterfall
8_ Major Minus
9_ U.F.O.
10_Princess of China (Featuring Rihanna)
11_Up in Flames
12_A Hopeful Transmission
13_Don’t Let It Break Your Heart
14_Up with the Byrds

Habían pasado cuatro años desde la irrupción del último álbum de los chicos de Chris “autoplagio” Martin, y muchos esperaban un nuevo trabajo que fuera satisfactorio para las fanaticadas. Claro la banda mas somnífera del planeta según algunas encuestas había cosechado éxitos entre sus singles y sus dos primeros álbumes, el discreto debut Parachutes (2000) y su gran segundo álbum A Rush of Blood to the Head (2002). Coldplay había ganado algo de respeto entre las bandas post OK Computer por su propuesta de “soft pop” basado en suaves pianos, guitarras tranquilas y ritmos pausados, con la voz somnolienta de Martin, quien a veces parece imitar a Bono y los sonidos de su banda de muchachitos irlandeses, quienes en esos años se aburguesaban de sobremanera. Pero Coldplay tenía un defecto, y era ser una banda somnífera y a veces poco original, pero claro eso no importó al momento de lanzar sus dos primeros álbumes. Hasta que todo se fue al carajo cuando lanzaron el tranquilizante innatural X&Y en el 2005, con sus melosas baladas y su copia a sí mismo en cada tema, nótese “Speed of Sound” y su parecido a “Clocks”. Luego el 2008 y creyendo que no podían bajar más el nivel, lanzan el infumable Viva la Vida and Death to All His Friends, que aparte del obvio plagio a Cat Stevens poseía el material menos original del catalogo de Coldplay, ya que todo era más un disco de Brian Eno (Productor del disco) que algo creado por Martin y cia. Pero ahora llegaban con algo nuevo, algo revitalizado… O eso pensábamos, porque este año salió Mylo Xyloto, el quinto trabajo del grupo que prometía material más acústico… ¿O era al revés mr. Autoplagio?

La intro y la canción que sigue “Hurts Like Heaven” muestran ya el principal defecto del disco, y es el abuso de sintetizadores en canciones no muy necesarias, tanto que esta ultima parece un burdo intento de canción a lo The Killers. “Paradise” es una de esas canciones que podrían ir en los primeros trabajos de la banda, una canción calmada con un coro pegajoso más un buen ambient para el relax, la voz de Chris sonando como siempre debió hacerlo, pero el momento grato se ve interrumpido por los horrendos coros, que siempre ha sido el defecto de la banda. “Charlie Brown” parece otro tema que hubiese lanzado la banda de Brandon Flowers en discos como Sam’s Town (2005), mientras que “Us Against the World” es un mal regreso a la pomposidad melosa de sus dos trabajos anteriores, que empeora con el relleno de “M.M.I.X.”, una canción que Brian Eno hubiese descartado de cualquiera de sus discos solistas, pero que no tiene buena acogida en este álbum, ya que resulta molesto. El single “Every Teardrop Is a Waterfall” me resulta poco atractivo, mientras que “Major Minus” parece una copia de canción de Radiohead algo más acelerada. Ahora no todo es malo “U.F.O. y el cierre “Up with the Byrds” son piezas imprescindibles, acústicas y con un teclado que da el ambient necesario y no se torna tediosa. “Princess of China” pudo haber quedado en cualquier disco de Rihanna y hubiese tenido mejor acogida que aquí, donde recibe el titulo del despropósito más grande de la carrera de Coldplay. Canciones como “A Hopeful Transmission” o “Up in the Flames” pueden ser saltadas sin ningún remordimiento ya que sirven como distracción innecesaria.

Mylo Xyloto es un trabajo débil, pero no el peor de Coldplay, y menos el peor del 2011 (Los seguidores de Metallica saben a qué disco me refiero cuando hablo del peor lanzamiento de este año) Si eres fan de Coldplay puedes escucharlo de vez en cuando para pasar el rato, si no lo eres es un disco que puedes darte el lujo de prescindir, quizás rescatar un par de singles y borrarlo o mantenerlo solo de colección. En fin… Cada uno haga lo que quiera, por lo menos este disco no te hará dormir... ¿o si?

U.F.O.

Lord I don?t know which way I am going
Which way the river?s going to flow
It just seems that upstream I keep rowing
Still got such a long way to go
Still got such a long way to go

And that light hits your eyes
I know I swear we?ll find somewhere
The streets are paved with gold

Bullets fly split the sky
But that's alright sometimes sunlight comes streaming through the holes

Ohohoh

Existen despropositos del porte de un buque, y "Princess of China"

Otras Mediocridades: X&Y (2005), Viva la Vida and Death to All His Friends (2008)
Recurra de Preferencia a: A Rush of Blood to the Head (2002)

Various Artist: (Ǎhk-to͝ong Bay-bi) Covered (2011)

2011-10-27T13:04:00.000-07:00

1_ Zoo Station (Nine Inch Nails)
2_ Even Better Than the Real Thing (Jacques Lu Cont Mix)
3_ One (Damien Rice)
4_ Until the End of the World (Patti Smith)
5_ Who’s Gonna Ride Your Wild Horses (Garbage)
6_ So Cruel (Depeche Mode)
7_ The Fly (Gavin Friday)
8_ Mysterious Ways (Snow Patrol)
9_ Tryin’ to Throw Your Arms Around the World (The Fray)
10_Ultraviolet (Light My Way) (The Killers)
11_Acrobat (Glasvegas)
12_Love Is Blindness (Jack White)

Quizás uno de los discos más importantes de la década de los 90’s y en la discografía de U2, fue su experimental obra titulada Achtung Baby. Lanzado en 1991, el disco logro posicionar a la banda irlandesa en la cima del mundo, además de una evolución en su sonido, el cual Bono describiría como el haber desarmado su disco anterior, el igualmente notable The Joshua Tree (1987). El disco contenía muchas de las canciones que se volvieron himnos como la poderosa “Until the End of the World”, la bailable “Mysterious Ways” o la nostálgica y clásica “One”, las cuales se han transformado en los tour de forcé del grupo a lo largo de su carrera. Veinte años han pasado y el disco sigue igual de fresco, y con motivo del aniversario de esta obra magna, la revista Q decidió lanzar un recopilatorio de covers de todas las canciones del disco, interpretadas por distintos artistas del mundo Indie y del Rock Alternativo. Así nace (Ǎhk-to͝ong Bay-bi) Covered, que cuenta con la participación de bandas de la talla de Garbage, The Killers, Depeche Mode, entre otros.

El disco comienza con una sicodélica versión de la rockera “Zoo Station” interpretada por Nine Inch Nails, la cual debilita el poder de la original, pero le pone un toque más denso, lo cual da la sensación de estar en un viaje oscuro hacia la estación Zoo. Luego viene la mezcla de Jacques Lu Cont para la rítmica “Even Better Than the Real Thing”, la cual parece un simple relleno si la comparamos a la versión del disco original, ya que es U2 remezclado, lo cual le quita el chiste. Damien Rice nos trae una, aun mas melancólica, versión para “One”, con su profunda voz y de modo acústico agrega mas tristeza al eterno himno de Achtung Baby, un gran merito para el cantante que nos cautiva con una atmosfera intima para cortarnos las venas hasta no poder mas. Patti Smith nos trae una versión del tipo Dylan mezclado con Johnny Cash, con “Until the End of the World”, la cual pierde la garra que le ponía Bono y compañía, y se transforma en una especie de viaje interior. Garbage nos trae una buena dosis del tema “Who’s Gonna Ride the Wild Horses”, la cual suena muy indie, pero no pierde su poder. “So Cruel” es una de las versiones más destacadas del disco, junto a la ya mencionada “One”, interpretada de manera sublime por Depeche Mode, con un Gahan sonando melancólico, acompañado de los distorsionados sintetizadores. “The Fly interpretado por Gavin Friday pierde cierto poder, pero la voz profunda le da un toque más oscuro al tema, ahora bien, es el momento del mayor despropósito, transformar una canción sensual como “Mysterious Ways” en una lenta canción de autocomplacencia como la versión de Snow Patrol.

“Tryin’ to Throw Your Arms Around the Wolrd” se debilita un poco en la versión de The Fry, pero no lo suficiente para darnos un buen rato, es más, creo que es una versión algo menos bullada, lo suficiente para que The Killers entre con una buena versión de “Ultraviolet (Light My Way), que demuestra cuán vigente se mantiene la banda de Brandon Flowers interpretando a una de las bandas que más ha influido en los sonidos modernos, además de que Brandon tiene la suficiente alma para darle un toque más intimo al estribillo. Luego viene una rockera versión de “Acrobat” a cargo de Glasvegas, la cual no agrada tanto, por la voz que se pierde detrás del riff y que se distorsiona demasiado a mi parecer, y todo cierra con la oscura y tétrica versión de la bella “Love Is Blindness” donde Jack White la musicaliza de manera sombría, pero a veces sus gritos molestan un poco, pero le vienen al tono de la canción.

El disco tributo funciona, a pesar de que hay algunas versiones algo débiles y que hubiese deseado a mas bandas en el disco, como a Radiohead o a Muse, influidos notoriamente por U2. Este disco es un buen lanzamiento para celebrar los veinte años de uno de los álbumes más influyentes y uno de los mejores trabajos de los irlandeses, superado con creces con el predecesor The Joshua Tree o el debut Boy (1980), pero no es tan urgente la necesidad de tenerlo, si eres fan de U2 seguro podrás tenerlo, si te gusta el disco, quizás rescates algunas de las versiones, como la de Damien Rice, Depeche Mode o la de Gavin Friday, pero si no te gusta la banda, quizás quieras prescindir de este tributo. De todas formas consigue el original de 1991 y pasa un rato agradable con la experimentación de Bono, The Edge, Adam y Larry, con sus productores, Brian Eno, Steve Lilywhite y con Flood, quien le da el sabor especial a la mezcla definitiva de rock y electrónica irlandesa.

So Cruel

We crossed the line
who pushed who over?
it doesn't matter to you
it matters to me
We're cut adrift
we're still floating
i'm only hanging on
to watch you go down
my love
I disappeared in you
you disappeared from me
i gave you everything you ever wanted
it wasn't what you wanted
The men who love you, you hate the most
they pass through you like a ghost
they look for you, but your spirit is in the air
baby, you're nowhere
Oh...love...
you say in love there are no rules
oh...love...
sweetheart,
you're so cruel
Desparation is a tender trap
it gets you every time
you put your lips to her lips
to stop the lie
Her skin is pale like god's only dove
screams like an angel for your love
then she makes you watch her from above
and you need her like a drug
Oh...love...
you say in love there are no rules
oh...love...
sweetheart,
you're so cruel
She wears my love like a see-through dress
her lips say one thing
her movements something else
oh love, like a screaming flower
love...dying every hour...love
You don't know if it's fear or desire
danger the drug that takes you higher
head in heaven, fingers in the mire
Her heart is racing, you can't keep up
the night is bleeding like a cut
between the horses of love and lust
we are trampled underfoot
Oh...love... you say in love there are no rules
oh...love...
sweetheart,
you're so cruel
Oh...love...
to stay with you i'd be a fool
sweetheart
you're so cruel

Depeche Mode nos deleita con este hermoso cover de "So Cruel"

Otras recomendaciones: Ratoncitos (31 Minutos) (2005),
Alejese de: Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band Original Soundtrack (1978)

Pink Floyd: The Final Cut (1983)

2011-10-25T17:23:00.000-07:00

1_The Post War Dream
2_ Your Possible Past
3_ One of the Few
4_ The Hero’s Return
5_ The Gunner’s Dream
6_ Paranoid Eyes
7_ Get Your Filthy Hands off My Desert
8_ The Fletcher Memorial Home
9_ Southampton Dock
10_The Final Cut
11_Not Now John
12_Two Suns in the Sunset

Cuando The Wall salió a la venta, Pink Floyd había alcanzado la fama mundial luego de una seguidilla de discos con los cuales adquirieron un renombre y un respeto entre sus contemporáneos, pero dentro del seno de la banda no todo era color de rosas. Rick Wright, tecladista, fundador y una de las voces más reconocibles dentro de la banda, fue despedido luego de un conflicto con el autoproclamado líder y dictador, bajista, compositor, letrista y ahora voz principal, Roger Waters. La Era de Roger comenzó a acentuarse durante la grabación de Animals (1977), donde el ambiente claustrofóbico del estudio genero ciertas tensiones, sobre todo con el guitarrista David Gilmour, quien no hallaba el espacio necesario dentro de las complejas y filosóficas composiciones de aquel flaco y narigón bajista, en su sucesor, la ópera rock The Wall, la tiranía del dictador Roger llego a niveles de que ni siquiera el productor Bob Ezrin se salvaría de su furia, las peleas con Dave se acentuaron y Nick Mason, baterista de la banda, vio su rol disminuido, y claro Rick Wright abandonó el buque luego de, como mencione anteriormente, pelear a muerte con el bajista, ya que este le reclamaba el nulo aporte de Rick en las composiciones, incluso se uso a un tecladista de apoyo. Irónicamente Rick fue quien más obtuvo ganancias de la gira, que casi dejo en banca rota al grupo. Ahora bien, la banda se había tomado un receso y llegaba la hora para entrar a los estudios, ahora como un trió, pero las tensiones aumentaron tanto que se borro a Dave de los créditos de producción. Así nace en 1983 uno de los discos más débiles en la discografía Floydiana, considerado por muchos como el primer disco solista de Roger Waters, y un disco donde todo es introspectivo: The Final Cut.

El disco se centra en tres puntos centrales, la Guerra de las Malvinas, la muerte de Eric Fletcher (Padre de Roger), y el propio interior del bajista. Grabado dificultosamente, con músicos de sesión y con un Dave poco activo, The Final Cut (Subtitulado como A Requiem for a Post War Dream) contiene doce canciones que diluyen la potencia que habían adquirido con el disco anterior. Comenzando por la canción que abre el disco, “The Post War Dream” nos transporta con sonidos de carreteras poco transitadas, una radio sintonizando y una sección orquestal en la cual Roger nos pregunta por qué Jesús fue crucificado o si fue eso por lo cual su padre murió. El tema pronto se vuelve monótono, incluso cuando Mason entra con su batería y Michael Kamen (Director de orquesta y tecladista del disco) alza el poder de sus músicos, pero finaliza todo llevándonos a una de las canciones más notables del Album, “Your Possible Past”, la cual parte de forma tranquila pero de manera teatral, algo en lo que Roger se maneja muy bien, y converge en uno de los estribillos mas melancólicos del Album, como plus tenemos uno de los únicos solos de Dave en la guitarra, los cuales se comparan un poco con su trabajo en el disco anterior. “One of the Few” falla como interludio, con una de las letras trágicas que no surten efecto, algo parecido sucede en la poco seria “The Hero’s Return”, donde su estructura como canción desconcierta, aparte da cierta sensación de desagrado la voz distorsionada que acompaña a Roger en el estribillo, pero una explosión surge y así aparece otra de las mejores canciones del disco, las cuales se agradecen. “The Gunner’s Dream” es una triste balada que narra los últimos pensamientos de un moribundo artillero, donde el saxofón tiene un papel protagónico, aunque un solo de guitarra hubiese venido bien, pero luego viene la regular “Paranoid Eyes”, la cual encuentro en cierta forma parecida a “Nobody Home”, una de las más tristes canciones de The Wall, pero que falla por los adornos de conversaciones “random” que aparecen en todo el tema, lo cual no solo da la sensación de desolación, sino de que nos quieren tomar el pelo diciéndonos, “Miren este tema no es tan malo porque tiene efectos de sonidos”.

La segunda mitad parte con “Get Your Filthy Hands off My Desert”, donde Nick Mason tiene una leve intervención manejando la tecnología holofónica, en la explosión que parte el tema, la cual nos envuelve si usamos audífonos, pero hasta ahí seria lo bueno ya que contiene una letra básica que adquiere la calidad de relleno, pero que mejora cuando la voz de Roger da la partida al mejor tema del disco “The Fletcher Memorial Home”, una sátira a los tiranos históricos como Hitler o Tatcher, donde Gilmour nos deleita con otro solo, el segundo en el disco, y con una de las líneas más notables del disco “¿Ellos esperan acaso que les tengamos algún respeto?”. Pero todo vuelve a empeorar con otro relleno, “Southampton Dock”, una balada acústica donde nos adentramos a un desembarco, donde los soldados no saben si podrán volver a vivir, o morirán en el intento, pero el efecto deseado no se consuma, pero luego vamos a la segunda mejor canción del Album, la triste y hermosa “The Final Cut”, un tema eliminado del disco anterior, lo cual serviría como una secuela a las vivencias de Pink (Personaje principal de la historia contada en The Wall). Ahora todo se va al carajo con “Not Now John” la peor canción del disco, y la única donde Dave canta, pero la culpa no es del, ya en ese entonces, gordo guitarrista, sino de la peor letra escrita por Roger en toda su carrera como Floydiano, además de un popero solo de guitarra que nos adelanta un poco de lo que Gilmour se encargaría de hacer en los discos posteriores, por suerte todo termina con “Two Suns in the Sunset”, tema donde no participa Nick Mason, el cual se transforma en una oda a los horrores del Holocausto Nuclear, pero que falla en ser una canción poco Floydiana, es mas se transforma en una parodia de sí misma, y aburre al auditor, que por suerte puede decir, el disco ha acabado.

El disco seria recordado en el futuro como uno de los trabajos más frustrantes de la carrera de Pink Floyd, no solo por su horrenda portada, sino porque su música y concepto no van en la misma dirección, se vuelve irregular, y Roger incorpora cosas que no son parte del sonido Floydiano. Luego de este disco Waters abandona la banda y se enfrasca en líos legales con los otros dos integrantes. Ahora bien, al lado de lo que sucedería después, The Final Cut obtuvo cierta redención, ya que Roger saco en solitario el infame The Pros and Cons of Hitch Hiking (1984), mientras que sus ex compañeros lanzarían el peor trabajo lanzado bajo el nombre Pink Floyd, el inescuchable A Momentary Lapse of Reason de 1987. Pero aun así el disco es uno de los menos Floydianos de su discografía y el puntapié inicial a la continua decadencia que acabaría con el grupo diez años después, incluso su reedición de 2004 que contiene “When the Tigers Broke Free” empeora la calidad del disco.. ¿Un consejo? Mejor recurra a sus discos anteriores, puede encontrar el antídoto perfecto a este mar de aburrimiento llamado The Final Cut.

The Fletcher Memorial Home (Waters)

Take all your overgrown infants away somewhere
And build them a home, a little place of their own.
The Fletcher Memorial
Home for Incurable Tyrants and Kings.

And they can appear to themselves every day
On closed circuit T.V.
To make sure they're still real.
It's the only connection they feel.
"Ladies and gentlemen, please welcome, Reagan and Haig,
Mr. Begin and friend, Mrs. Thatcher, and Paisly,
"Hello Maggie!"
Mr. Brezhnev and party.
"Scusi dov'è il bar?"
The ghost of McCarthy,
The memories of Nixon.
"Who's the bald chap?"
"Good-bye!"
And now, adding colour, a group of anonymous latin-
American meat packing glitterati.

Did they expect us to treat them with any respect?
They can polish their medals and sharpen their
Smiles, and amuse themselves playing games for awhile.
Boom boom, bang bang, lie down you're dead.

Safe in the permanent gaze of a cold glass eye
With their favorite toys
They'll be good girls and boys
In the Fletcher Memorial Home for colonial
Wasters of life and limb.

Is everyone in?
Are you having a nice time?
Now the final solution can be applied.

Algo rescatable del disco fue el cortometraje lanzado para promocionarlo, podrian haber sido buenas proyecciones para una gira... Saquen Not Now John y tienen el corto mas melancolico.

Otras Mediocridades: A Momentary Lapse of Reason (1987), The Division Bell (1994)
Recurra a: Wish You Were Here (1975)

Habemus Cambios... Mas Info Aqui

2011-10-23T14:39:00.000-07:00

Ustedes se preguntaran que cambios, bueno...
Primero que todo notaran que yo todo lo separeo en secciones y lo que no esta en secciones son discos destacados... Pues bien ahora no avisare cuando ponga un disco malo en el blog... Simplemente uds lo veran a travez de la etiqueta...
Segundo... Los discos estaran calificados con estrellas, como en paginas tipo Rate Your Music o AllMusic.

Eso seria... Pongan atencion a las etiquetas

See Ya!

Entretenganse mientras con esto

The Cure: À l’ Olympia, Paris (1982)

2011-10-18T14:46:00.000-07:00

1_ M
2_ The Drowning Man
3_ A Short Term Effect
4_ Cold
5_ At Night
6_ Splintered in Her Head
7_ Three Imaginary Boys
8_ Primary
9_ One Hundred Years
10_Play for Today
11_A Strange Day
12_A Forest
13_10:15 Saturday Night
14_The Figurehead
15_Pornography
16_Killing an Arab
17_Forever

The Cure había compuesto su obra definitiva en 1982. Pornography traspasó las barreras de la oscuridad musical y conceptualmente hablando su status de banda tétrica a tales niveles, que nada podría superar lo logrado en aquella pieza de maestría tétrica. Sus anteriores discos como Seventeen Seconds de 1980 y Faith de 1981 ya coqueteaban algo con el lado oscuro del goticismo al cual se adaptaban, pero en la canción “Charlotte Sometimes”, lanzada como single entre 1981 y 1982, fue la que nos dio aviso de que aun quedaba más por mostrar. El Pornography Tour fue una gira conflictiva en muchos aspectos, sicológicamente no aguantaban la atmosfera de las canciones y eso le paso la cuenta a Simon Gallup quien abandonó al grupo luego de pelear a combos con el líder y guitarrista Robert Smith. De aquella siniestra gira, se extrajo un bootleg donde se reflejaba lo tétrico que llegaban a ser sus interpretaciones, este fue llamado The Cure À l´Olympia, registrado en su paso por Paris el día 7 de Junio de 1982.

Todo empieza con “M”, la cual nos adentra a un ambiente atmosférico totalmente oscuro, pero nada comparado como la siguiente canción elegida, “The Drowning Man”, extraído de su disco Faith, la cual nos lleva a un tétrico viaje donde las guitarras se combinan con el calmado ritmo de la percusión hecha por Lol Tolhurst, mientras Gallup rasguea las cuerdas de su bajo llevando el compas de su compañero. Llega la hora de mostrar el nuevo disco, y así interpretan la rockera “A Short Term Effect” la cual surge efecto inmediato, con sus guitarras y efectos, mientras la base rítmica proporcionada por Gallup y Tolrthust mueve los cimientos de cada membrana, mientras que Smith cantase como si todos fuéramos a morir en un Juicio Final. Hay espacio para canciones densas como la atmosférica “Cold”, la cual da paso a una más accesible, aunque no tanto, como “At Night”. La percusión suena potente cuando un prendido Lol Tolhurst da la partida a la siniestra, pero innegablemente bien ejecutada “Splintered in Her Head”, donde la intro de una harmónica distorsionada, que acalla a cualquier valiente infunde un temor inexplicable, pero que no nos aleja del tema. “Three Imaginary Boys”, de su disco del mismo nombre, suena mucho mejor que la original y es quizás la canción más radio friendly del concierto, porque luego damos paso a “Primary”, otra de las joyas de su disco Faith, una rockera canción donde lo más importante es la combinación de los tres integrantes en crear una perfecta base rítmica, mientras que la voz de Smith llega a tocar cada fibra sensible, para dar paso a una más oscura canción de su disco presentado, me refiero a la siniestra “One Hundred Years”, la cual posee un final aun más aterrador que la original.

Seguimos con mas ritmo aun reviviendo algunos clásicos de su Seventeen Seconds, como las algo mas poperas, “Play for Today” y la clásica línea de bajo de “A Forest”. Pero es en esta parte del concierto donde estas dos accesibles canciones se combinan con un set más denso, más oscuro, y ultra aterrador, con las atmosferas de “Pornography” y los calmados ritmos de rock depresivo de “A Strange Day” y la desesperanzadora “The Figurehead”. Todo cierra con uno de sus primeros singles, el algo débil, pero no igual imprescindible “Killing an Arab”, que se presenta en su mejor interpretación, pero el final es aun mas críptico, con el tema “Forever” (En algunas ediciones del bootleg se le presenta como “All Mine”) donde la voz de Robert llega hasta el núcleo de cada integrante de la audiencia, mientras un distorsionado riff de guitarra se ve acompañado de una buena línea de bajo por parte de Gallup, quien junto a Tolhurst se luce como base y pilar fundamental en el sonido que se da a las canciones.

Poco después de la retirada de Gallup, a causa de los problemas en la gira, The Cure quedo como dúo, y luego muchos músicos se fueron uniendo a la banda, incluso Gallup retornó a ella, pero deberíamos esperar demasiado para volver a oír una atmosfera oscura, tanto en sus discos como en sus recitales, hasta que llego ese ansiado momento con el lanzamiento de otra pieza de oscuridad plena, Disintegration, de 1989. Pero esta gira marco ciertos estándares de cómo sonar como una banda que infunde terror y miedo, no solo físico, o moral, sino también sicológico. A pesar de que al bootleg le faltaron temas como “The Hanging Garden” o “Siamese Twins” que se dice se interpretaron en ese concierto, es bueno tener un testimonio de la gira del disco que definió a The Cure como una de las bandas más oscuras del Rock.

"Pornography"

A hand in my mouth
A life spills into the flowers
We all look so perfect
As we all fall down
In an electric glare
The old man cracks with age
She found his last picture
In the ashes of the fire
An image of the queen
Echoes round the sweating bed
Sour yellow sounds inside my head
In books
And films
And in life
And in heaven
The sound of slaughter
As your body turns

But it's too late
But it's too late

One more day like today and I'll kill you
A desire for flesh
And real blood
I'll watch you drown in the shower
Pushing my life through your open eyes

I must fight this sickness
Find a cure
I must fight this sickness

Uno de los mas oscuros temas de la epoca mas tetrica de The Cure

Metallica: Cliff’s Last Show (1986)

2011-09-26T12:51:00.000-07:00

1_ Battery
2_ Master of Puppets
3_ For Whom the Bell Tolls
4_ Welcome Home (Sanitarium)
5_ Ride the Lightning
6_ Cliff Bass Solo
7_ Whiplash
8_ The Thing that Should Not Be
9_ Fade to Black
10_Seek and Destroy
11_Creeping Death
12_Four Horsemen
13_Damage Inc
14_Blitzkrieg

Metallica estaba en la cumbre del mundo del Metal, todo iba viento en popa. En 1986 habían lanzado su mejor disco, Master of Puppets, y la gira del disco estaba vendiendo muchos boletos en casi todo el mundo, lugar donde tocaban era un éxito. Cómo no iba a serlo si tenían a cuatro músicos que juntos podían lograr crear música de potencial destructivo, el guitarrista líder Kirk Hammett, el cantante y también guitarrista James Hetfield, un brutal baterista de nombre Lars Ulrich, y por sobre todo, a un joven y talentoso bajista llamado Cliff Burton. Con esta formación habían lanzado tres discos que hacían mover las cabezas a velocidades extremas, como el demoledor Kill ‘Em All de 1983, su segundo disco, el algo mas progresivo Ride the Lightning al año siguiente, y el disco que en ese momento giraban. El 26 de Septiembre fue una noche normal, un concierto más en la gira, un show explosivo en Estocolmo como cualquiera, pero en la madrugada del 27 de Septiembre obtuvo un significado especial, ya que esa madrugada un fatal accidente del bus donde giraban mato al talentoso bajista, dejando al grupo sin quizás su pilar fundamental. Durante ese concierto hubo gente que por suerte o cosa del destino, decidió registrarlo, grabarlo lanzarlo en un bootleg denominado Cliff’s Last Show.

Como todo concierto, la banda sale a escena con la grabación de la pieza “The Ecstasy of Gold”, compuesta por Ennio Morricone, para abrir los fuegos con la poderosa “Battery” donde los poderosos riffs acaparan cada parlante, y cada oído, y cada membrana. “Master of Puppets” suena fresca y destructiva interpretada por la formación que la concibió, mientras que Cliff da la partida con su poderoso bajo a “For Whom the Bell Tolls”, donde la voz de Hetfield se escucha tan pulcra como en esos buenos tiempos, hasta terminar con un breve y siempre bien ponderado solo de guitarra de Kirk. “Welcome Home (Sanitarium)” con sus referencias a Rush es quizás un gran momento para el mosh violento, sobre todo en ese riff demoledor. Y para no frenar el ánimo encendido, que mejor que “Ride the Lightning” donde todo el poder de la banda calienta a la audiencia a niveles ensordecedores. Llega el momento más emocionante del disco, un gran solo de bajo por parte de Cliff, mostrando todo su talento en la distorsión y potencia efectiva que él siempre llevaba a su instrumento, el público no sabía que ese sería el ultimo solo que escucharían de Burton, y al igual que en el disco Kill ‘Em All, toda esa muestra de solidez continua con la rápida y potente “Whiplash”.

“The Thing That Should Not Be” suena demasiado oscura, aun mejor en vivo, y cuando el concierto no puede mejorar, aparece la suicida y melancólica “Fade to Black” lo que pone más emoción a quien escucha este bootleg ahora, 25 años después de la trágica partida de Cliff. Es momento de seguir rememorando su clásico debut Kill ‘Em All, y luego de interrogar al publico si lo poseen, nos salen con “Seek and Destroy”, en una de sus versiones más brutales. El publico aun extasiado, se nota demasiado, empieza a sentir mas éxtasis aun, cuando Metallica interpreta uno de sus Tour de Force mas efectivos, la destructiva épica bíblica “Creeping Death” donde podemos escuchar los coros de Burton detrás de la voz de James, sobre todo cuando todos en comunión gritan “Die!”, y al terminar que mejor que rememorar “The Four Horsemen” una de las primeras canciones de la banda en una gran versión que mejora aun mas cuando al terminar comienzan a sonar los primeros acordes del poderoso “Damage Inc” donde el bajo y los solos destructivos de guitarra son los totales protagonistas. Qué mejor para cerrar que la versión de “Blitzkrieg” que apareció como B side de su single Creeping Death, interpretada a una velocidad demoledora y sin la carencia de sentimiento que la banda tendría años después, sobre todo en giras como las que sirvieron para promocionar discos como ReLoad.

Este ultimo show está cargado de potencia brutal, como cada concierto que ofrecía la gira del disco Master of Puppets, pero ahora, a 25 años de la peor tragedia que sufrió la música y que nos privó del talento de uno de los músicos y bajistas mas virtuosos de la Historia posee una carga emocional fuerte que conmueve hasta la medula. Obviamente el show debió continuar y la gira fue finalizada con Jason Newsted, un nuevo integrante que tocaba en otra destacable banda de la escena thrasher llamada Flotsam and Jetsam. Pero nada fue lo mismo… Nada… Aunque las giras de …And Justice For All o Metallica (a.k.a. The Black Album) fueron exitosas y llenas de shows realmente destacables, la esencia y el talento del gran bajista desaparecieron, para siempre… R.I.P. Cliff.

Damage Inc.

Dealing out the agony within
charging hard and no one's gonna give in
Living on your knees, conformity
or dying on your feet for honesty
Inbred, our bodies work as one
bloody, but never cry submission
Following our instinct not a trend
go against the grain until the end

Blood will follow blood
Dying time is here
Damage Incorporated

Slamming through, don't fuck with razorback
stepping out? You'll feel our hell on your back
Blood follows blood and we make sure
life ain't for you and we're the cure
Honesty is my only excuse
Try to rob us of it, but it's no use
Steamroller action crushing all
Victim is your name and you shall fall

Blood will follow blood
Dying time is here
Damage Incorporated

We chew and spit you out
we laugh, you scream and shout
All flee, with fear you run
You'll know just where we come from

Damage Incorporated

GO!

Damage jackals ripping right through you
sight and smell of this, it gets me goin'
Know just how to get just what we want
tear it from your soul in nightly hunt
Fuck it all and fucking no regrets
Never happy endings on these dark sets
All's fair for Damage Inc. you see
step a little closer if you please

Blood will follow blood
Dying time is here
Damage Incorporated

No es el mismo show, pero aca un solo de bajo del gran Cliff Burton, R.I.P. Maestro

Aca el tema que compuso, su canto del cisne, aunque no este en este bootleg merece cabida especial.

Rush: Time Machine Tour in Chile (17/10/2010)

2011-09-23T15:59:00.000-07:00

1_ Intro/The Spirit of Radio
2_ Time Stand Still
3_ Presto
4_ Stick It Out
5_ Workin’ Them Angels
6_ Leave That Thing Alone
7_ Faithless
8_ BU2B (Brought Up to Believe)
9_ Freewill
10_Marathon
11_Subdivisions
12_Moving Picture Intro Video
13_Tom Sawyer
14_Red Barchetta
15_YYZ
16_Limelight
17_The Camera Eye
18_Witch Hunt
19_Vital Signs
20_Caravan
21_Love 4 Sale (Neil Peart’s Drum Solo)
22_Alex Lifeson’s 12-String Acoustic Intro/Closer to the Heart
23_2112 (Overture/The Temples of Syrinx)
24_Far Cry
25_Polka Intro/La Villa Strangiato
26_Working Man
27_”Post Show” Video (Ending)

Habíamos esperado tanto, mucho por así decirlo. El 2007 casi vinieron, pero prefirieron traer a Madonna, así que el sueño de verlos se pospuso hasta nuevo aviso. Y fue el 17 de Octubre del 2010 el día escogido para que Rush, el trió canadiense conformado por el bajista, tecladista y cantante Geddy Lee, el guitarrista Alex Lifeson y el baterista Neil Peart se presentaran en el Estadio Nacional, y así satisficieren a miles de fans que los esperaban con ansias, y que mejor con esta gira que prometía tanto. La banda de Rock Progresivo que había marcado la Historia con discos como 2112 o el clásico Moving Pictures venían a Chile por su Time Machine Tour, una magno evento que no solo presentaba su clásico repertorio, sino que también sirvió para dar a su público dos regalos infartantes: El primero, el estreno de dos nuevas canciones que formaran parte de su próximo album, y el segundo la interpretación integra del disco que los catapulto al status legendario que ahora poseen. Estamos hablando por supuesto de su moderno disco de 1981, Moving Pictures. Algunos tuvimos la suerte de estar ahí, otros se conformaron con las distintas filtraciones en bootlegs, mientras otros aun esperan el lanzamiento del nuevo DVD que registra esta magna gira, en un concierto ofrecido en Cleveland. Pero hoy hablaremos del primer recital ofrecido en nuestro país por una de las bandas más destacadas de la escena Progresiva.

Las luces se apagaban en el estadio nacional y un video nos introducía a una banda ficticia parodiando a Rush, en el cual actúan ellos mismos, para que el escenario, que posee un notable decorado de maquinas del tiempo como amplificadores, se prenda con el clásico “The Spirit of Radio”, aunque la voz de Geddy Lee se desafino algunas veces, cosa que se mantuvo en los cuatro primeros temas del concierto, la interpretación instrumental sigue siendo el fuerte de la banda, las complejas líneas de batería de Neil Peart, las poderosas líneas de bajo de Lee y la guitarra de Lifeson se conjugan muy bien y funcionan dinámicamente. Después de oír una buena versión del clásico del disco Hold Your Fire, “Time Stand Still”, mucha gente se extraño al oír temas no tan conocidos como “Presto” o la pesada “Stick It Out”, la cual fue dedicada a los 33 mineros atrapados en la mina San José, los cuales eran tema mundial en ese entonces, incluso Lifeson apareció con una guitarra que llevaba grabada el numero 33. Luego de ello la voz de Lee vuelve a acomodarse y así pasan a algo más reciente como la bien ponderada “Workin’ Them Angels”. Ahora volvemos un poco a los temas conocidos y Rush nos saca uno de sus más poderosos instrumentales, “Leave That Thing Alone”, del disco Counterparts de 1993, en el cual Geddy se lució con una línea de bajo que encendió a los presentes, quienes incluso coreaban al ritmo de la compleja batería de Peart. “Faithless” sonó bien y fue el preludio para que el grupo nos presentara un nuevo tema, el algo metalero “BU2B”, el cual sigue mucho la línea de las canciones de sus discos anteriores y esa noche encendió al publico quienes recién conocíamos este nuevo adelanto, mientras algunos que ya habían oído la canción antes disfrutaban más aun. Ahora volvemos a los clásicos como la coreada “Freewill” del disco Permanent Waves del año 1980, la cual sigue sonando aun más fresca, con un buen solo de guitarra, y cuando nos enteramos que la próxima canción pertenece al nefasto Power Windows muchos estábamos listos para perder el ánimo, pero muy por el contrario, Rush demuestra que incluso sus peores canciones suena muy bien en vivo, lo cual queda demostrado cuando interpretaron la mejor versión jamás hecha de “Marathon” la cual da paso a otro tema inmortal, el Tour de Force “Subdivision” con esa clásica línea de sintetizador de Lee, quien nos demuestra que puede hacer tres cosas a la vez, tocar un buen sintetizador, cantar y lanzar su mejor línea de bajo, y así termina la primera mitad del concierto.

La pantalla indica una cuenta que va desde 1974, y llega al año 1981 al fin, momento en que otro gracioso video actuado por la banda comienza el momento que todos esperábamos, la interpretación del clásico disco Moving Pictures, y los primeros acordes de “Tom Sawyer” nos indican que la jornada será aun mas especular de lo que esperábamos, mientras a la mitad del solo de Lifeson las pantallas nos muestran una graciosa secuencia que incluye a simios tocando el tema, y hasta la propia banda intercambiando instrumentos. Pero el show continua, y con mini secuencia de videos seguimos con el segundo track, la adrenalinica “Red Barchetta” donde la audiencia sigue encendida para que la banda nos dispare su siempre efectivo instrumental “YYZ” y nos siga haciendo corear al ritmo de “Limelight”. Pero llega un momento clímax en el recital y es cuando por fin escuchamos el tema que reviven en esta gira, un tema algo olvidado, una canción épica de aquellas donde Rush saca a relucir lo mejor de sí, me refiero a la hermosa “The Camera Eye” en la cual muchos de los que estábamos presentes acompañamos en los coros a Lee placenteramente y sintiéndonos orgullosos de conocer la letra de una de las mejores canciones del disco interpretado. Luego damos paso a la oscura “Witch Hunt”, donde las líneas de sintetizadores nos sumergen a un ambiente espectral y termina el segmento con “Vital Signs” donde se regodean con los ritmos del tipo The Police. Luego de terminar de tocar todo el disco, considerado por muchos como la obra maestra del grupo, Rush nos interpreta otra de sus nuevas canciones, “Caravan”, la cual mantiene un cierto parecido con otro de los temas tocados esa noche, la bien ponderada “Far Cry”.

Llega otro momento de éxtasis colectiva y es cuando Neil Peart nos deleita con todo su talento en un gran solo de batería, en cuyo final es acompañado por un robot que aparece en la pantalla gigante del escenario, y luego de otro solo, esta vez interpretado en la 12 cuerdas de Lifeson, escuchamos el clásico y eterno “Closer to the Heart”. Y cuando creíamos que no podía mejorar, “2112” nos pone a saltar y cantar como locos, para luego cerrar con la ya mencionada “Far Cry”. Luego de unos minutos el escenario completo se ilumina al más puro estilo circo, y la banda comienza a interpretar otro de sus más espectaculares instrumentales: “La Villa Strangiato” el cual converge en una versión algo Ska del único tema interpretado del primer disco, me refiero a “Working Man”. Luego de otro cómico video, de unos fans que acosan a la banda en su backstage el concierto termina y todos satisfechos.

El concierto de Rush en el Estadio Nacional fue quizás el evento que marco el año pasado, uno de los eventos más esperados que reunió a toda una generación de rockeros, desde los más viejos a los más jóvenes, en una sagrada comunión de Progresivo interpretado en excelente calidad, a pesar de las desafinaciones en los cuatro primeros temas, las cuales son perdonadas por mostrarnos como una banda puede seguir siendo igual de dinámica y como interactuar bien en un escenario, una química irrompible de la que Chile fue testigo privilegiado, y esperemos se vuelva a repetir alguna vez.

"The Spirit Of Radio"

Begin the day with a friendly voice
A companion unobtrusive
Plays that song that's so elusive
And the magic music makes your morning mood

Off on your way, hit the open road
There is magic at your fingers
For the Spirit ever lingers
Undemanding contact in your happy solitude

[Chorus:]
Invisible airwaves crackle with life
Bright antennae bristle with the energy
Emotional feedback on timeless wavelength
Bearing a gift beyond price, almost free

All this machinery making modern music
Can still be open hearted
Not so coldly charted
It's really just a question of your honesty, yeah
Your honesty
One likes to believe in the freedom of music
But glittering prizes and endless compromises
Shatter the illusion of integrity

[Chorus]

For the words of the prophets were written on the studio wall
Concert hall
And echoes with the sounds of salesmen

Es dificil conseguir videos de buena calidad de este show, asi que les dejo este

Rainbow: On Stage (1977)

2011-09-22T16:12:00.000-07:00

1_ Kill the King
2_ Medley
I_ Man on the Silver Mountain
II_ Blues
III_ Starstruck
3_ Catch the Rainbow
4_ Mistreated
5_ Sixteenth Century Greensleeves
6_ Still I’m Sad

Luego del descontento que ocasionó las incursiones de Glenn Hughes en el proceso de grabación del disco Stormbringer de Deep Purple en 1974, Ritchie Blackmore, líder y guitarrista algo autoritario de la banda comenzó a replantearse su lugar dentro del grupo. Mientras todos apoyaban estos cambios y el sonido funk se impuso en el nuevo disco, el guitarrista decidió que este sería su último trabajo con la banda, y luego del tour decidió abandonar el buque. Durante sus últimas giras con Deep Purple, Blackmore coincidió con una no tan conocida banda llamada Elf, la cual era liderada por un pequeño cantante que poseía una espectacular voz. Blackmore les ofreció grabar un álbum juntos, expulsando al guitarrista original y así formo el proyecto Rainbow, en el cual decidió también componer junto al vocalista de Elf, el gran Ronnie James Dio, dando origen al primer disco llamado Ritchie Blackmore’s Rainbow, en 1975. Con el buen resultado del disco, Ritchie decidió trabajar a tiempo completo en esta nueva banda, conservando solo a Dio y contratando nuevos músicos, entre ellos al talentoso baterista Cozy Powell, al tecladista Tony Carey, y al desconocido, pero buen bajista Jimmy Bain, con quienes lanzo un segundo álbum en 1976, su obra maestra Rainbow Rising. Para la gira de este álbum, Ritchie decidió que la banda debía lanzar un disco grabado en directo, es así como nace On Stage, el cual fue lanzado al año siguiente.

La obertura de los recitales era siempre un fragmento de audio de la película The Wizard of Oz, de 1939, en el cual se menciona la famosa línea “We must be over the Rainbow”, luego de introducirse con un pedazo de “Somewhere Over the Rainbow”, un poderoso riff nos indica que los fuegos han sido disparados y el arcoíris comienza a surgir en un poderoso doble pedal de Powell, el cual da la partida a “Kill the King”, donde Dio nos demuestra sus dotes vocales y Carey nos entretiene con una buena línea de órgano que depara en un magistral solo de Blackmore. Luego comienza uno de los momentos cumbres que es un largo medley, donde interpretan la clásica “Man on the Silver Mountain”, el primer tema que inmortalizó a la banda al status de leyenda, para luego converger en un jam de blues, por parte del guitarrista, luego interpretan la rápida “Starstruck”, para así volver al primer tema del medley, donde también se destaca la gran línea de bajo de Bain. Uno de los momentos más catárticos es la interpretación de la hermosa y melancólica “Catch the Rainbow”, canción de su disco Ritchie Blackmore’s Rainbow, que se introduce con una calmada línea de guitarra, y en que ese sublime estribillo, donde los teclados juegan un papel ambiental, mientras la frase “Come the dawn” suena tan esplendida y Dio pone toda su alma en ella, para luego ir a una larga parte instrumental, donde no solo se destaca el improvisado solo de guitarra, que abundan demasiado en este recital, sino también por la notable combinación de la base rítmica formada por el bajo de Bain y la poderosa batería de Powell.

Momentos de covers, así es, porque Dio presenta uno de los temas del álbum Burn, grabado por Deep Purple en 1974, compuesto originalmente por Blackmore y el vocalista David Coverdale, me refiero al blusero “Mistreated” la cual suena aun más poderosa que la original, aunque no con la misma esencia, sino que suena más fresca en el sentido de la alta voz del pequeño Dio. “Sixteenth Century Greensleeves” parece no ser la misma que la versión original, ya que acá suena con más garra y mas vitalidad. Pero todo termina con la versión cantada de "Still I’m Sad", el segundo cover del disco, que habían grabado con anterioridad, pero en una versión instrumental, pero acá suena más veloz, y todo se debe más al baterista Powell, quien durante estas giras solía interpretar un gran solo de batería, pero en este disco nos conformaremos con un genial solo de Tony Carey, quien brilla con su órgano Hammond, y así todo cierra y finaliza con el doble bombo de Powell y a Dio agradeciendo a un público fiel.

Rainbow sobrevivió durante casi una década con distintos cambios de formación, manteniendo solo al guitarrista, Ritchie Blackmore, como único integrante estable del proyecto. Pero después del disco Long Live Rock ´n´Roll, la banda no volvió a brillar, aunque solo saco alguno que otro single de éxito pop, como el architrillado “Since You´be Gone”, Dio se fue de la banda antes de lanzar ese single, debido a su rechazo a cantar temas de índole pop y vivió un periodo fructífero componiendo y cantando en Black Sabbath. On Stage quizás sea un disco que tenga muchas referencias a los clásicos conciertos de Deep Purple y muchas guitarras, demasiadas me atrevería a decir, pero aun así demuestra el poder de un proyecto supuestamente temporal, que termino escribiendo su nombre en el sitial de las grandes leyendas del Rock, y este disco se convirtió en el testimonio definitivo a este suceso.

Kill The King

[Blackmore / Dio / Powell]

Danger, danger the Queen's about to kill
There's a stranger, stranger and life about to spill
Oh no move me out of harm
I need a spell and a charm
Fly like the wind
I'm no pawn, so be gone, speed on and on
Kill the king
Tear him down
Kill the king, yeah
Strike him down
Power, power it happens every day
Power, devour all along the way
Oh no, move me out of harm
I need a spell and a charm
And fly like the wind
I'm no pawn, so be gone, speed on and on
Kill the king
Treason, treason, the spectre looms again
Treason, reason, the realm is safe and then
Oh no, move away from harm
I need a spell and a charm
Fly like the rainbow
I'm no pawn, so be gone, speed on and on
Kill the king
Tear him down
Kill the king, yeah
Got to take his crown
Crown
Kill the king
He'll rule no more
Strike him dead
The people roar
Kill the king, yeah
Take his head
Down, down, down, down
Oh, kill
Oh, kill
Oh, oh

Con otra formacion, una muestra de como es un show de Rainbow

Los Tres: MTV Unplugged (1996)

2011-09-19T12:53:00.000-07:00

1_ Sudapara
2_ La Espada y la Pared
3_ Amor Violento
4_ Gato por Liebre
5_ Pájaros de Fuego
6_ Me Rompió el Corazón
7_ Déjate Caer
8_ Traje Desastre
9_ Tírate
10_Te Desheredo
11_He Barrido el Sol
12_La Primera Vez
13_El Arrepentido
14_La Vida que Yo He Pasado
15_ ¿Quien es la Que Viene Allí?

Los Tres habían logrado mucho en tan poco tiempo, luego de tres discos que habían marcado una nueva dirección para hacer rock, como el fresco debut homónimo de 1991, el incierto y algo descentralizado Se Remata el Siglo de 1993 y el excelentísimo álbum de 1995 que les dio el estatus de banda de éxito, La Espada y la Pared, en donde ponían todas sus influencias, desde el más volátil reggae, a una balada, un calmado jazz, hasta un pesado riff muy al estilo de bandas como Faith No More. En 1995 se ven enfrentados a dos hechos que los marcarían, el primero fue la muerte de uno de sus principales mentores, Roberto Parra Sandoval, hermano de la gran Violeta y uno de los exponentes más claros de lo que llamamos “Cueca Brava”, lo cual deja conmocionado tanto a su líder, el guitarrista y vocalista Álvaro Henríquez, como a uno de sus sobrinos, Ángel Parra, guitarrista de la banda e hijo del compositor del mismo nombre. El segundo hecho fue una invitación por parte de la MTV para participar en su ciclo Unplugged el cual se registraría en Miami, siendo uno de los primeros latinoamericanos, después de Soda Stereo, en ser invitados a tal magno evento. Pero el grupo, que también lo conformaba el baterista Francisco Molina, y el contrabajista Roberto “Titae” Lindl llega a este evento con una propuesta más osada que cualquiera de las hechas en ese evento, y fue tocar con instrumentos totalmente acústicos y usar micrófonos análogos, muy al estilo de los años cincuenta o sesenta, lo cual marca un precedente histórico en el evento patrocinado por la cadena televisiva y es ser el Primer Unplugged totalmente acústico, sin adornos eléctricos, sin guitarras conectadas a un amplificador, (Se usaban micrófonos para aumentar el sonido) y además deciden rendirle un homenaje a su fallecido mentor con un pequeño set de cuecas. Unos meses después se pondría a la venta uno de los conciertos más aclamados de Los Tres, su álbum en vivo Los Tres MTV Unplugged.

Para empezar el concierto, Álvaro nos saluda con el saludo de un viejo programa televisivo, “El Festival de las 1”, viejo espacio de los 80s animado por Enrique Maruenda y que iniciaba su programa decía “Que tal, Festival!", y con un casco militar las guitarras parten los primeros acordes de ”Sudapara” en un ritmo más de Charleston, el cual es llevado por la armónica línea rítmica de Molina y Lindl. Luego continua con el tema que da título a su, en ese entonces, mas reciente producción, La Espada y la Pared, donde las guitarras eléctricas son notablemente reemplazadas por los rasgueos acústicos y el solo de Parra suena tan fresco como si estuviera tocando una guitarra eléctrica. Álvaro luce su voz en la hermosa “Amor Violento”, para después continuar con una simple versión de “Gato por Liebre”, la única canción que interpretan del disco Se Remata el Siglo. Pero ahora es momento de ponerse más densos y suaves a la vez, para que un añadido de mandolina proporcionado por Toño Restucci, nos interpreten la mejor versión de “Pájaros de Fuego” y la melancólica “Me Rompió el Corazón”. La primera mitad cierra con la exitosa “Déjate Caer” la cual mantiene su esencia y suena muy parecida a la original, ya que es quizás uno de los temas más acústicos de su repertorio.

Pero Los Tres siempre tienen un as bajo la manga, y cuando creíamos que no puede ponerse mejor, estrenan una nueva canción llamada “Traje Desastre”, la cual mantiene la perfecta combinación entre las buenas bases rítmicas de Lindl con un buen bajo que se mantiene con los suaves golpes de batería de Pancho Molina, que junto a una buena letra proporcionada por Henríquez nos entregan una gran canción. “Te Desheredo” mantiene su ambiente espectral al igual que en su versión original, usando todo su arsenal acústico. Cuti Aste, otro de los músicos invitados, nos proporciona un buen ritmo de acordeón, el cual entra después de la magistral introducción al clásico de su primer álbum, “He Barrido el Sol”, que junto a una versión mas foxtrot de La Primera Vez enciende a la respetuosa audiencia. Ahora es momento de ponerse chilenos, así que homenajeando la memoria del llamado Tío Roberto, Los Tres, junto a sus músicos invitados interpretan dos cuecas clásicas del repertorio de Parra, las cuales encienden mas a la audiencia que comienza a golpear las palmas al compas del ritmo del baile tradicional chileno, y continúan con el homenaje cerrando con el foxtrot clásico que sería reconocido como uno de los temas inmortales de la banda, el sencillo “¿Quién es la Que Viene Allí?

El grupo tuvo mucho renombre con el lanzamiento de este disco en vivo, y así tendría más licencia para internacionalizarse, y lanzar discos tan notables como Fome, en 1997, además de participar en el Festival de Viña del Mar y organizar conciertos con grupos como Illapu o Los Jaivas. Pero el año 2000 la banda se disolvió, para luego reunirse en el año 2006, pero sin Francisco Molina, quien no quiso participar de esta reunión. Este concierto es recordado por dar la pauta, no solo a los conciertos, sino a algunas canciones acústicas de la carrera de Los Tres. Por otro lado también dio nuevos aires a la música popular, gracias a la masificación de las cuecas y al foxtrot, ritmos utilizados en este recital. Gracias a todos estos factores, fue que Los Tres se transformo en la mejor banda de Rock Nacional de la década de los 90s, y quizás de la Historia de Chile, ¿Por qué no decirlo?

Dejate Caer

Déjate caer
La tierra es al revés
La sangre es amarilla
Déjate caer

El viento ya no sopla
La boca bien cerrada
Amárrate los pies
Piensa en tu madre
Y déjate caer

Mira al cielo ceder
Y a la tierra después
Vuelve a creer
La sangre es amarilla
Déjate caer

Las olas ya no mojan
La ira de las rocas
Amárrame otra vez
Un beso a mi madre
Y déjame caer

Instrumental

Mira el cielo ceder
Y a la tierra después
Vuelvo a creer
La sangre es amarilla
Déjate caer

Consuélame otra vez
Porque no pienso volver
El suelo tiene sed
La vida es imprecisa
Déjate caer

Las horas no demoran
A mi alma desertora
Explícalo muy bien
Se abre la tierra
El cielo está a mis pies

Los Tres demuestran su talento vivo, con uno de sus inmortales clasicos en acustico.

Lucybell: Sesion Futura (2001)

2011-09-15T20:48:00.000-07:00

1_ Fui a Cazar
2_ Esfera
3_ Cuando Respiro en tu Boca
4_ Ten Paz
5_ Viajar
6_ Rojo Eterno
7_ Amanece
8_ Carnaval
9_ Mataz
10_Milagro
11_Mil Caminos
12_Paraisos (Que No Me Vengan con Paraísos)
13_De Sudor y Ternura
14_Sembrando (En el Mar)
15_Luces No Bélicas
16_Tu Sangre
17_Mi Corazón
18_Vete

Lucybell ha sido una de las bandas chilenas más vanguardistas en lo que se refiere a su manera de hacer Pop y combinarlo con un Rock más electrónico, influenciado principalmente por bandas del tipo My Bloody Valentine, por The Cure en su etapa oscura. La banda fue formada por su guitarrista Claudio Valenzuela, junto a Francisco González en la batería, Marcelo Muñoz en el bajo y por ultimo Gabriel Viggliesoni en los teclados. Luego de tres discos magníficos esta formación se disuelve, dejando tanto al guitarrista como al baterista solos en un rumbo nuevo que recorrer, es así como reclutan a Eduardo Caces, quien no solo tenía conocimientos de bajo, sino que también aprendió a usar secuenciadores y teclados, cosas que también empezaron a usar el resto de los integrantes, convirtiéndose en un grupo multi instrumentalista que lanzo al principio del nuevo milenio, un álbum experimental, al cual denominan Amanece, que se destaca por sus tintes electrónicos y sicodélicos. Como todo álbum exitoso merece una gira, los conciertos del grupo, que siempre se han caracterizado por ser discretos en cuanto a puesta en escena, solo destacándose un par de juegos de luces y el público coreando fuerte. En el 2001 la banda cumplía 10 años de su carrera y deciden celebrarlo con el lanzamiento de un álbum y un DVD en vivo, al cual denominan Sesión Futura.

Este registro nos lleva por un viaje por los cuatro primeros discos de la banda, pilares fundamentales del nuevo Rock Chileno de los 90s y de principios de la década, el cual con la voz profunda y calmada de Valenzuela nos lleva por un viaje cuando comienzan los primeros acordes de Fui a Cazar, donde de a poco se van uniendo Caces con una buena base de bajo y González con su siempre eficaz batería que puede ejecutar tanto ritmos suaves, como brutales golpeteos dignos de un Rock Star, como se denota en el clásico “Cuando Respiro en Tu Boca”, un clásico de su primer disco, Peces, del año 1995, un éxito rockero, donde las letras sensuales se combinan bien con un efervescente publico y con la poderosa base rítmica de Caces y González, quienes tocan como si se conocieran toda la vida. Luego volvemos con un breve repaso de su reciente producción con la hermosa “Ten Paz”, donde Claudio y su voz son el centro de atención, la cual nos guía cual profeta desgarrado. La sicodelia se apodera entonces del Teatro Cultural 602 cuando la banda revive algo que podríamos llamar la trilogía esencial del Rock Alternativo que nos ofrece Lucybell, haciendo un recorrido por los temas “Viajar”, donde el ritmo programado se combina con los instrumentos de notable forma, pero todo se pone aun más denso con la interpretación de la oscura “Rojo Eterno”, donde la base programada y los hipnóticos acordes de guitarra son acompañados por la trompeta ejecutada por el maestro Claudio Figueroa, para cambiar a un calmado compas de batería, acompañados de una gran línea de bajo, original de Marcelo Muñoz, pero interpretada por un calmado Eduardo Caces. Ahora Caces abandona el bajo para tomar una guitarra rítmica la cual sostiene un par de notas constantes, mientras la guitarra líder despega unas sensuales notas las cuales van al compas del ritmo programado que Francisco González, junto a unas trompetas que añaden mas intimidad a “Amanece”.

Un clímax aparece al fin cuando el grupo decide recurrir a dos singles de su clásico disco Viajar, el primero es la tranquila “Carnaval”, un momento catártico para el público, el cual luego de escuchar uno de sus singles más emblemáticos, vemos a Caces ir a las percusiones, más bien a un pandero, encender un ritmo programado parecido a un sensual trip hop, y al ritmo del bajo que ahora toca González, y las guitarras de Claudio escuchamos el increíble “Mataz”, otro de los clásicos de 1996 que ahora resuena mas fuerte cuando el publico corea su insinuante estrofa “Si esto llegase a acabar, ve mis ojos, mírame directo a los ojos y sabré mentir a Dios, por verte a ti”. Pero el momento de canciones catárticas sigue, y Eduardo se cambia al teclado para apoyar la interpretación de la balada “Milagro”, Al final de todos estos temas Lucybell decide estrenar el single con el cual promocionarían este registro, el hermoso “Mil Caminos”.

La seguidilla de canciones que continúan el concierto son de su repertorio más pesado, pasando por la violenta “De Sudor y Ternura”, luego por la algo más tranquila “Sembrando en el Mar”, para culminar con la rockera “Luces No Bélicas” el cual incluye un brillante solo de trompera por parte del Maestro Figueroa. Otra canción nueva “Tu Sangre” suena tan fresca y algo más tétrica en la tranquila voz de Valenzuela. Aparece un momento intimo para terminar, donde González en el bajo, mientras que Valenzuela y Caces se abocan a las guitarras, mientras una base programada nos transmite paz interior en “Mi Corazón” y para cerrar esta gran jornada, que mejor que “Vete” de su disco debut para que el publico siga entregando su energía a una banda que se despide después de ofrecernos un gran concierto.

Lucybell saco un disco y en EP más antes de que González abandonara la banda para ser reemplazado por Cote Foncea, y hace poco lanzaron otro disco en vivo llamado Sesión Primitiva, pero a pesar de su buen setlist, falta cierta pasión que depositaba su predecesor. Un concierto que contenga como setlist las canciones más significativas de las cuatro obras maestras de la banda, y cuatro discos que cambiaron la forma de ver el Rock en Chile, es digno de considerarse, oírse, sentirse, y admirarse.

Mataz

Cada vez que veo brillar
tus piernas al fin
logro descifrar
que puedes ser mas
que un simple espejo

Cada vez que veo brincar
a mi alrededor
tus labios sin voz
logro entender
que hay solo un beso

Solo al despertar

Cada vez que veo brillar tus piernas
logro entender
que puedes ser mas
que un simple espejo
solo al despertar

Cada vez que veo brincar
a mi alrededor
tus labios sin voz
logro entender
que hay solo un beso

Solo al despertar
Solo al despertar
Solo un...

Si esto llegase a acabar
Si esto llegase a acabar
ve mis ojos
mirame directo a los ojos
y yo sabre mentir a Dios
por verte hoy

Si esto llegase a acabar
Si esto llegase a acabar
mira mis ojos
mirame directo a los ojos
y yo sabre mentir a Dios
por verte hoy

Si esto llegase a acabar
Si esto pareciese a acabar
mira mis ojos
mirame directo a los ojos
y yo sabre mentir a Dios
por verte hoy

Si esto llegase a acabar
Si esto se va va
mira mis ojos
mirame directo a los ojos
y yo sabre mentir a Dios
por verte hoy

Verte hoy

Hoy

Gonzalez se cambia al bajo, una sensual base programada y Valenzuela incita a cantar a la sensualidad de MATAZ

U2: ZOO TV – Live from Sidney (1994)

2011-09-12T11:25:00.000-07:00

1_ Show Opening/Zoo Station
2_ The Fly
3_ Switching Channels/Even Better Than the Real Thing
4_ Mysterious Ways
5_ One/Unchained Melody
6_ Until the End of the World
7_ New Year’s Day
8_ Numb
9_ Angel of Harlem
10_Stay (Faraway, So Close)
11_Satellite of Love
12_Dirty Day
13_Bullet the Blue Sky
14_Running to Stand Still
15_Where the Streets Have No Name
16_Pride (In the Name of Love)
17_TV Intro/Daddy’s Gonna Pay for Your Crashed Car
18_MacPhisto’s Speech/Lemon
19_With or Without You
20_Love Is Blindness
21_Can‘t Help Falling in Love

U2 había innovado después crear uno de los shows más espectaculares en cuanto a calidad se refiere, un show conceptual que había sido concebido como una sátira para los medios de comunicación masivos, y gracias a un equipo de profesionales entre los cuales se encontraban algunos los técnicos del equipo de confianza de Anton Corbijn, el escenario era uno de los mas estrafalarios , una tarima llena de televisores gigantes, en la cual la banda se regodeaba de su creatividad con un Bono mas histriónico, ver a The Edge mientras como guitarrea en una posición algo más dominante que en posteriores shows de la banda mientras Clayton y Larry creaban grandiosas bases rítmicas que a veces limitaban con un rock más electrónico era algo que muchos querrían que hubiese durado años y años. Esta gira planeada originalmente para promocionar uno de los más grandes discos del grupo, el genial Achtung Baby! Pero luego en 1993 se decide extender el tour para también promocionar el electrónico Zooropa del año 1993, un disco subvalorado que se transformo en una revolución en el clásico sonido del grupo liderado por Bono, y durante una de estas presentaciones, nos dan como regalo la filmación del emotivo show realizado en Sidney aquel 27 de Noviembre de 1993, el cual casi se convierte en el ultimo concierto del grupo, debido a un incidente la noche anterior con Adam Clayton que no pudo presentarse al anterior concierto debido a su estado etílico. A pesar de que aquello no se cumplió, el show estuvo lleno de emotividad y eso quedo registrado en el DVD titulado ZOO TV: Live from Sidney, lanzado en 1994.

El show comienza con el encendido de todas las pantallas que rodean el escenario que comienzan a mostrar a unos niños soldados tocando tambores que comienzan a unirse a un compas que se vuelve constante y aumenta hasta que aparece en una de las pantallas la imagen de la bandera de la Unión Europea, hasta que una de las estrellas caen alrededor de la silueta de Bono que se levanta en una posición muy parecida e la pose de lucha de la grulla de Karate Kid y así comienzan a sonar los primeros acordes de Zoo Station que abre de manera potente, el cual decide continuar la potencia que la hermosa The Fly, un tema rockero que se caracteriza por el acompañamiento de voces del guitarrista The Edge, además de una hermosa visual donde las pantallas bombardean con palabras de manera aleatoria, pero casualmente aparecen juntas las palabras BOMB y JAPAN. Al momento de cantar One, todas las luces crean una hermosa intimidad donde Bono, en sus trajes del alter ego creado para la primera manga de la gira, The Fly, acompañado de su guitarra y de la banda que crea tal atmosfera que emociona de sobremanera, y para terminar interpretan un fragmento de la clásica Unchained Melody, famosa canción que se uso para la película Ghost y que la banda usa para cerrar su tema más hermoso. Luego aparece unos leves videos que dan partida a otro de los grandes temas de su repertorio, Until the End of the World, la cual se transformaría en un Tour de Force del grupo con su enigmática letra y ese espectral riff, el cual termina dando paso a otro de los temas más memorables de U2, donde Edge toca un hermoso piano sobre la gran base rítmica proporcionada por Adam y Larry, el ultimo se luce aun mas cuando tocan la rockera New Year’s Day. Numb se transforma en una oda electrónica abstracta donde The Edge canta a través de una monótona y siniestra base. Luego de un set acústico mas intimo donde se alejan del aparatoso escenario, interpretan parte de su nuevo material, entre las que se destaca la energética Dirty Day, la cual da paso a la más pesada Bullet the Blue Sky, donde un Bono mas profético comienza a recitar la clásica línea final, la cual suena más potente con Bono conversando con la cámara. Pride suena como un verdadero himno de estadio y es emocionante ver a la gente corear de tal forma que pareciera que todos están en comunión con la banda, la cual se retira por un momento del escenario, mientras se comienzan a mostrar una imagen del rostro que adorna la portada de Zooropa cantando una pequeña opera. Luego la banda comienza a aparecer para tocar la movida Daddy’s Gonna Pay for Your Crashed Car, donde Bono aparece con otro de sus alter egos, el galante MacPhisto, que después de finalizar la canción nos da cátedra de discursos y llama por un taxi para “ir a casa” y luego de ser rechazado la banda se vuelve aun mas electro dance, para tocar la bailable Lemon. Ahora viene el momento de emotividad, la banda se vuelve una sola persona junto a la audiencia para cantar dos de las baladas más hermosas de su repertorio, el hermoso With or Without You y la melancólica Love Is Blindness donde la cuota de emotividad se rebalsa y todos son una sola persona, los televisores comienzan a apagarse y luego de cerrar con Can’t Help Falling in Love todo se apaga para dejar a oscuras un escenario conmovido e impresionado por la gran puesta en escena.

Esta gira marcaria un antes y después en la manera de realizar conciertos de U2, ya que sus futuras presentaciones seguirían la línea vanguardista que supuso el ZOO TV, a pesar de que las posteriores producciones discográficas no son de lo mas brillantes, por ejemplo en su POPMART Tour para promocionar el mediocre Pop de 1997 y que los trajo a Chile por primera vez con una gran puesta en escena, o en el reciente 360° Tour donde promocionaron el discreto No Line on the Horizon del 2009, en el cual, el escenario era parte importante del show, pero nada superaría el legado que dejo esta impresionante puesta en escena, que hizo vibrar a casi todo el mundo, dando a conocer no solo su disco más experimental, sino también una faceta distinta de cómo una banda de rock debía hacer las cosas.

ZOO STATION

I'm ready
I'm ready for the laughing gas
I'm ready
I'm ready for what's next
I'm ready to duck
I'm ready to dive
I'm ready to say
I'm glad to be alive
I'm ready
I'm ready for the push

In the cool of the night
In the warmth of the breeze
I'll be crawling around
On my hands and knees

She's Just down the line...Zoo Station
Got to make it on time...Zoo Station

I'm ready
I'm ready for the gridlock
I'm ready
To take it to the street
I'm ready for the shuffle
Ready for the deal
Ready to let go of the steering wheel
I'm ready
Ready for the crush

She's just down the line... Zoo Station
Got to make it on time... Zoo Station

Alright, alright, alright, alright, alright
It's alright... it's alright... it's alright... It's alright

Hey baby... hey baby... hey baby... hey baby...
It's alright, it's alright

(Alright, you can turn it up)

Time is a train
Makes the future the past
Leaves you standing in the station
Your face pressed up against the glass

I'm just down the line from your love... Zoo Station
You know I'm under the sign... Zoo Station
I've got to make it on time
Make it on time... Zoo Station
I'm gonna be there... Zoo Station
Tracing the line... Zoo Station
That's alright... Zoo Station
Just two stops down the line... Zoo Station
Just a stop down the line...

MacPhisto trata de tomar un taxi, pero termina haciendo bailar al mundo con Lemon y realizar un viaje por la melancolia con With or Without You

Vuelven Los Mejores Lives!

2011-09-11T16:28:00.000-07:00

Vuelve una seccion que revive los grandes registros en vivo, tanto en bootlegs, DVDs, discos y alguno que otro concierto prescenciado!!!!

No se lo pierdan!

UN ADELANTO

Judas Priest: Stained Class (1978)

2011-08-13T16:26:00.000-07:00

1_ Exciter
2_ White Heat, Red Hot
3_ Better By You, Better Than Me
4_ Stained Class
5_ Invader
6_ Saints in Hell
7_ Savage
8_ Beyond the Realms of Death
9_ Heroes End

En un mundo donde las cosas apocalípticas pasan a menudo, donde terremotos destruyen ciudades y donde la muerte acecha en cada rincón no hay nada como un buen disco para poder afrontar este destructivo planeta. Y hay una banda que junto a Black Sabbath comenzaron a crear a mitad de los 70s himnos pesados llenos de ese poder de destrucción, esa agrupación se llamaba Judas Priest, quienes por ese entonces estaba conformada por los guitarristas Glenn Tipton y K.K. Downing, el bajista Ian Hill y el carismático vocalista Rob Halford, quienes junto a una seguidilla de bateristas habían sacado grandes discos de Hard Rock y con un sonido más Metalero en su más reciente producción de ese entonces, Sin After Sin. En 1978 un nuevo baterista refrescaría y endurecería aun más el sonido de la banda, y además renovaría los aires que Judas Priest requería para componer canciones aun más pesadas que su disco anterior, y así es como llega Les Binks, quien también sería el primer baterista en vestir los atuendos de cueros unos meses más adelante. Es así como comienzan la grabación de lo que sería el mejor disco de toda su carrera, me refiero al clásico Stained Class, el cual no solo seria recordado por su brutal sonido, sino también por una controversia que ocurriría doce años mas tarde.

El disco abre con uno de los temas más clásicos del repertorio de Judas Priest, me refiero a la exaltada Exciter, un tema donde su intro de batería te indica que algo poderoso surgirá de los parlantes, y así lo demuestran los riffs que acompañan el tema, pero lo que más se destaca es la enorme capacidad vocal de Rob Halford, quien ya en el final del tema alcanza tonos muy altos, lo cual lo hace ser, junto a Ronnie James Dio, uno de los mejores cantantes del Heavy Metal. También tenemos el notable y hermoso cover de la canción Better By You, Better Than Me, original de la banda Spooky Tooth, el cual no solo es recordado por la excelente batería que tiene el tema, y los buenos riffs que nos azotan, sino también por ser la causa de una demanda interpuesta a la banda en 1990 debido al intento de suicidio de dos jóvenes por un supuesto mensaje subliminal que contenía la canción, juicio que obviamente ganaron y que sirvió también para defender al género Metal en contra de los hostigadores católicos que acechaban desde mitad de los 80s. Stained Class tiene un gran ritmo gracias a la línea de bajo de Ian Hill que se fusiona adecuadamente con la batería de Binks, mientras Downing y Tipton sostienen una buena batalla de solos de guitarra la cual nos azotan al muro y claro que la voz de Rob no queda atrás, con los buenos estribillos que posee el tema. Invader, uno de los pocos temas que acreditan a Ian Hill como compositor posee un ritmo más setentero, pero los aires del metal que quería lograr Judas Priest aparecen de vez en cuando, sobre todo en los coros. Saints in Hell nos adelanta demasiado a lo que la banda haría en su clásico British Steel de 1980, un ritmo pegadizo, Riffs algo más potentes y la voz de Halford cantando de manera espectacular, mientras los solos de guitarra siguen siendo protagonistas. Pero la canción que se lleva el premio a ser considerada la Obra Maestra del álbum es la hermosa canción Beyond the Realms of Death, la cual no solo contiene una de las más siniestras, pero a la vez hermosas letras escritas por Rob Halford, sino que también es la única composición de Les Binks en la banda, quien también gesto la clásica línea de guitarra y el riff del tema, lo cual demuestra que su talento no solo se reducía a ser un gran baterista, sino también un potencial compositor, además de contener uno de los más hermosos solos de guitarra de la banda.

Luego de este disco, lanzarían el mismo año otro clásico del Heavy Metal, Killing Machine, con el cual comenzarían usar durante la gira su patentada y clásica teñida de cuero y trajes de sadomasoquismo, pero al año siguiente Les Binks dejaría la banda, siendo reemplazado por Dave Holland, con quien lanzarían en 1980 su disco más clásico, British Steel. Pero todo ese legado que produjo Stained Class seguiría estando en sus obras posteriores, sobre todo en sus cuatro siguientes discos. La banda sonora perfecta para el Apocalipsis y un viaje por el infierno es sencillamente este álbum, lleno de riffs legendarios y una buena base rítmica, junto a una de las mejores voces del Metal, quien por cierto confesaría su homosexualidad durante los años en que se alejo de la banda, lo cual explica el por qué de la teñida de cuero y sus trajes extravagantes, pero nada de eso importa… Menos ahora… The Priest Is Here…

Beyond The Realms Of Death

[Binks/Halford]

He had enough
He couldn't take anymore
He'd found a place
In his mind and slammed the door
No matter how they tried
They couldn't understand
They washed and dressed him
Fed him by hand

Yeah! I've left the world behind
I'm safe here in my mind
Free to speak with my own kind
This is my life, this is my life
I'll decide not you

Withdrawn he'd sit there
Stare blank into space
No sign of life
Would flicker on his face
Until one day he smiled
It seemed as though with pride
The wind kissed him
Goodbye - and then he died

Yeah! I've left the world behind
I'm safe here in my mind
Free to speak with my own kind
This is my life, this is my life
I'll decide not you

Keep the world with all its sin
It's not fit for livin' in
Yeah! I will start again
It can take forever, and ever, and ever
And ever, but I'll still win.

[SOLO (Glenn)]

How many like him,
Are there still
But to us, all
Seem to have lost the will
They lie in thousands
Plagued and lost
Is nothing worth this bitter cost

Yeah! I've left the world behind
I'm safe here in my mind
Free to speak with my own kind
This is my life, this is my life
I'll decide not you

Keep the world with all its sin
It's not fit for livin' in

[SOLO (K.K.)]

Beoynd the realms of death.

Una de las mas hermosa canciones del Heavy Metal... El riff creado por Les Binks resuena en este Beyond the Realms of Death

Otras recomendaciones: Sad Wings of Destiny (1976), Sin After Sin (1977), Killing Machine (1978), British Steel (1980), Screaming for Vengeance (1982), Defenders of the Faith (1983), Painkiller (1990)
Alejese de: Turbo (1986)

King Crimson: Larks’ Tongues in Aspic (1973)

2011-08-04T20:11:00.000-07:00

1_ Larks’ Tongues in Aspic Part I
2_ Book of Saturday
3_ Exiles
4_ Easy Money
5_ The Talking Drum
6_ Larks’ Tongues in Aspic Part II

A finales de los 60s los Hippies encontraban en la música una manera de disuadir la realidad con pasajes de alegría y poca decadencia, hallaban en grupos como Pink Floyd o The Beatles un escape del entorno y en Santana disfrutaban de plenitud espiritual. Pero hubo cierta banda que a pesar de agradar a los Hippies no se quedo solo con el sentido de hacer música para los viajes disuasivos, sino para un viaje denso a rincones inexplorados. Un hombre de pelo desordenado y gafas ametrallaba notas con su guitarra mientras al compas de extraños ritmos de Jazz y un suave Mellotron recitaba poemas de pesimismo absoluto, medievales paisajes y la muerte rodeaba cada nota. La banda en cuestión era King Crimson y es conocida por ser quizás uno de los próceres del Rock Progresivo, y por tener una formación siempre inestable, pero a la vez eternamente liderada por el guitarrista Robert Fripp, un no tan carismático, pero estricto músico que incluso en las improvisaciones buscaba generar algo en su forma de interpretar la música. Diversos músicos reconocidos y otros no tanto pasaron por el Rey Carmesí, como los bajistas y cantantes Greg Lake, el fallecido Bob Burrell, el no tan reconocido Gordon Haskell, el genial vientista y encargado del Mellotron Ian McDonald y el letrista Peter Sinfield, muchos de ellos ocupando un espacio destacado en la Historia del Rock. Pero los cambios llegaban sin que uno se diese cuenta y sus cuatro primeros discos contaron con distintas formaciones, en la que siempre permanecía el dueto Robert Fripp y Peter Sinfield liderando la composición y la dirección que tomaba la banda. Pero luego de una repentina disolución y la marcha de Sinfield del grupo vendría el cambio más notorio en la banda. Primero Richard Palmer – James , ex guitarrista de Supertramp, se encargaría de ser el nuevo letrista, luego ingresarían un enigmático y excéntrico percusionista llamado Jamie Muir, un desconocido bajista de nombre John Wetton, el violinista David Cross y el ex baterista de Yes, el Sr. Bill Bruford, y bajo esta formación el improvisado y calmado Rock Progresivo con aires de Jazz deja de ser el sello de la banda para pasar a una etapa más pesada y experimental que debutaría con este disco de 1973 llamado Larks’ Tongues in Aspic.

El disco contiene pasajes mas característicos del Avant Garde y eso se debe en demasía por la influencia del genio de la percusión Jamie Muir, quien adhirió no solo el papel de ser el segundo baterista, sino que adhirió nuevos sonidos a la manera de componer de King Crimson, y la muestra de ellos es la primera parte del tema que da nombre al disco, donde empieza a demostrarse que la banda no es la misma, y que estos músicos juntos son dinamita pura, es mas escuchen la intro, donde Muir juega con muchos instrumentos de percusión, mientras David Cross comienza a tocar las primeras notas de su violín, para pasar luego a la explosiva entrada de Wetton y Bruford en un enigmático riff de guitarra por parte de Fripp, y que difiere demasiado de aquel 21st Century Schizoid Man o de aquel calmado In the Wake of Poseidon, y aun mas de las improvisaciones en Lizard, esto es otra cosa, una banda con nueva sangre en las venas dispuesta a llegar mas allá, ya al minuto ocho del disco escuchamos un notable solo de violín, para entrar nuevamente a un enigmático final, donde la guitarra distorsionada y unas misteriosas voces rodean en una atmosfera intranquila al oyente, finalizando el tema con una calmada percusión que da comienzo al tema más accesible del disco, Book of Saturday, donde Wetton canta sobre la calmada guitarra de Fripp y donde presenciamos la poética de Palmer – James en acción. Para luego pasar a otro gran momento del disco, que comienza con una enigmática distorsión de algunos instrumentos que luego nos transporta a un hermoso ritmo de batería para que John cante las letras de Exiles, acompañado de Cross en su violín, debo decir que en ciertos momentos me recuerda a Epitaph, hasta cuando aparecen los solos de David Cross con una ambientación oscura, y Robert nuevamente vuelve a la carga en la guitarra acústica, mientras que Bruford lleva todo en un calmado ritmo, demostrando que no solo era el chaconcito del grupo Yes, sino que era parte importante de su sonido. La segunda mitad parte con el bullado Easy Money, con graciosos coros, en un mellotron y percusiones magistrales, donde no es tanto la letra, sino el genial solo de guitarra que nos muestra este tema, mientras Muir y Bruford llenan cada espacio en sus respectivas percusiones, y Wetton se luce con una genial línea de bajo, para luego terminar cantando el estribillo final, el cual da comienzo a otra improvisación de la marca del Rey Carmesí donde Muir resuena los bongos a un fantástico ritmo, para que cada integrante ingrese con su instrumento y formen la estructura de The Talking Drum, la cual súbitamente termina con una alta nota de violín que da comienzo a otro gran momento del álbum, y el ultimo, el cual es la segunda parte de Larks’ Tongues in Aspic, donde dos baterías, una con mas accesorios tocada por Muir, y una simple tocada por Bruford, van llevando el ritmo de un riff creado por Robert Fripp, mientras el bajo acompaña a Bruford para que Cross distorsione su violín a más no poder para terminar todo en una explosión colectiva.

El disco es quizás uno de los menos digeribles, pero más espectaculares del Rey Carmesí, y da pie para una de las mejores formaciones de la banda, pero que queda reducida a un cuarteto cuando apenas el disco es lanzado, Muir abandona la banda debido a, según rumores, una lesión. Después de algunos años de colaborar en algunos proyectos Jamie Muir se retira de la música para dedicarse a la pintura. Mientras la banda percibe este disco como el primer paso de una trilogía de discos más experimentales y de sonido más duro, basándose también en las improvisaciones en vivo, y Bruford, influido por su colaboración con Muir decide adherir mas accesorios de percusión a su batería y mejora su técnica de manera magistral. David Cross se iría luego de la gira del siguiente disco, el algo extraño Starless and Bible Black y el trió restante se separaría luego de lanzar su obra maestra, Red, para volver a reformarse, con nuevos integrantes y ya sin Wetton en sus filas, a principios de los 80s. Pero es este disco el que marca un antes y un después en el sonido del Rey Carmesí, convirtiéndola de una simple banda de Progresivo a una banda vanguardista y totalmente anti comercial, de música difícil de digerir, pero de placentera audición.

Exiles

Now...in this faraway land
Strange...that the palms of my hands
Should be damp with expectancy

Spring...and the air's turning mild
City lights...and the glimpse of a child
Of the alleyway infantry

Friends...do they know what I mean
Rain...and the gathering green
Of an afternoon out-of-town

But Lord I had to go
My trail was laid too slow behind me
To face the call of fame
Or make a drunkard's name for me
Though now this other life
Has brought a different understanding
And from these endless days
Shall come a broader sympathy
And though I count the hours
To be alone's no injury...

My home...was a place near the sand
Cliffs...and a military band
Blew and air of normality

Aca un fragmento del tema que da el nombre al disco, con su formacion integra

Otras recomendaciones: In the Court of the Crimson King (1969), In the Wake of Poseidon (1970), Lizard (1971), Starless and Bible Black (1874), Red (1974), Discipline (1981)
Alejese de: Beat (1982)

Yes, La Banda Que Revolucionó el Rock Progresivo y la Historia de la Música. Parte V

2011-07-26T13:48:00.000-07:00

XIII_ Rock Orquestal Sin Teclados. El Comienzo del Largo Hiato. (2000 – 2004)

Luego de quedar sin tecladista, y que Wakeman rechazara una invitación para grabar un álbum con Yes, la banda decide no escatimar en esfuerzos y deciden prescindir de un nuevo tecladista. Es así como deciden recurrir a una orquesta de sesenta piezas, y al director Larry Groupé, compositor de música para filmes y que años después ganaría un Emmy por la banda sonora de la serie Line of Fire. Es así como comienzan a grabar un álbum para comenzar el nuevo milenio, un disco que recurriría a un Rock más sinfónico, parecido a la propuesta que lanzaron en 1970, Time and a Word, pero sin recurrir a más de un piano tocado por Alan White en una sola canción. Así nace en 2001 el único disco de Yes como cuarteto, me refiero a Magnification.

Este disco recuerda mucho a las canciones de los años 70s, además de contener algunas piezas que poseen una estructura aun mas progresiva que su álbum anterior, lo cual es notorio en hermosas tonadas como Magnification, el progresivo In the Presence of, una hermosa suite que combina los elementos tradicionales del grupo con un notable arreglo orquestal. También tenemos la magnífica Dreamtime, la cual parte con una guitarra acústica de Howe y desemboca en una composición que parece sacada de alguna película de Ciencia Ficción o un drama contemporáneo bien ambientado. Quizás las canciones más débiles del álbum sean la algo popera Don’t Go, la cual recuerda al material de Open Your Eyes, y Can You Imagine, una floja tonada donde Squire toma el rol de voz principal junto a Anderson, y la cual se da el lujo de contener el único piano del disco, otra débil canción es Soft as a Dove que es una canción demasiado plana, aburrida y cansadora, pero que no arruina por completo el álbum y sirve como preludio para el tema siguiente, el cual mencione como una gran canción. Los arreglos son impresionantes y la orquesta no suena molesta, pero se extraña la presencia de esos grandilocuentes solos de teclados que la banda utilizaba en sus épocas de gloria. Pero da lo mismo.

El disco es bien recibido por la crítica y los fans, pero no al nivel de sus obras maestras, es así como comienzan una nueva gira, para la cual no solo cuentan con una orquesta, sino que también contratan al tecladista Tom Brislin para tocar el repertorio clásico. Pero un año después, el 2002, Rick Wakeman regresa a la banda para participar en una gira que incluyo un regreso a Australia. Durante esa gira se registra un concierto que sería lanzado unos años más adelante, me refiero al Live at Montreux 2003, un concierto donde interpretan casi todos los temas de los años de gloria de la banda, incluso la mediocre Don’t Kill the Whale, y un fragmento de To Be Over, del disco Relayer, el cual tenían algo olvidado. También aparece una hermosa versión de And You and I, y canciones como Roundabout vuelven a sonar como en sus mejores tiempo. Aunque si hay cosas que no se perdonan como algunas fallas en Awaken, donde Anderson toma una actitud pedante durante uno de los coros, y lo largo que siempre se vuelve The Fish al escucharla. Pero quizás lo mejor de este registro es que reviven el hermoso South Side of the Sky, el cual nunca había sido interpretado en vivo, ni siquiera en el Fragile Tour de 1971. Este sería el último disco donde la banda participaría en su formación clásica. Durante el 2003 también aparece la serie de remasterizaciones del catalogo de Yes, el cual suena impresionante y se le agregan algunos bonus, outtakes y demos, para el 2004 entrar en un hiato indeterminado, el cual cerraría un ciclo, o eso pensábamos muchos.

XIV_ La Inesperada Reunión. La Era de Benoît David. (2008 – 2011)

Luego de cuatro años de inactividad, y de algunos lanzamientos de ciertos conciertos y reediciones de discos clásicos, la banda decide reunirse para una nueva gira, la cual iba a llamarse Close to the Edge and Back y pensaban crear un nuevo disco. Para esto contarian con la ayuda del hijo de Rick Wakeman, Oliver, quien tomaría el lugar de su padre en los teclados, pero una inesperada noticia arruina estos planes y es la hospitalización de Jon Anderson por un ataque de asma. Durante meses la gira se suspende y se espera la pronta recuperación de Jon, pero después durante finales del 2008 el grupo presenta la gira con un nuevo vocalista que supuestamente reemplaza temporalmente a la eterna voz de Yes, y el encargado es el canadiense Benoît David, proveniente de la banda Mistery y del tributo a la banda que lleva el nombre del mejor disco del grupo, me refiero a Close to the Edge. La decisión de seguir sin él, decepciona a Anderson y sus seguidores, pero mucha gente acepta el hecho y decide concurrir a los conciertos de Yes, donde se encargan de revivir material del disco Drama, de 1980, de los cuales Jon se negaba a interpretar. Un año después Oliver Wakeman y Benoît David se transforman en miembros oficiales de la banda que reanudan el In the Present Tour, interrumpido por una cirugía a la que se somete Chris Squire, y mientras finalizaban la gira un par de años después se anuncia la grabación de un nuevo disco, el cual trae de vuelta a Trevor Horn para cooperar en la producción y en los coros de este nuevo trabajo. Durante la grabación y composición de este nuevo disco, Oliver Wakeman inesperadamente abandona al grupo y es reemplazado por un viejo conocido, el Sr. Geoff Downes, lo cual nos remite a pensar que ha regresado la época Drama a Yes. Y finalmente el año 2011 se lanza el esperado álbum, el cual denominan Fly From Here.

Este disco contiene muchas referencias del disco Drama, sobre todo la nueva suite que se transformo en la pieza central de este álbum y la cual le da el nombre, me refiero a Fly From Here, una pieza que dura aproximadamente veinticinco minutos que fue originalmente compuesta por Trevor Horn y Geoff Downes durante su estadia en la banda a principio de los 80s, y que sufre el mismo defecto de Machine Messiah, es decir parte de buena forma pero luego del cuarto movimiento comienza a flojear y se vuelve demasiado cansadora oírla, pero la voz de David se lleva un par de aplausos, quien a pesar de no igualar a Anderson, le pone alma y sentimiento a cada pieza que interpreta. Chris Squire tiene su momento y canta en el popero The Man You Always Wanted Me to Be, la cual no es tan mala como sus piezas de la década de los 80s, pero que baja el buen nivel que llevaba el álbum, junto con la débil Hour of Need, la cual intenta un poco emular las piezas de Anderson como Turn of the Century, lo cual resulta en una poco original tonada. Quizás la mejor canción sea la simpática Life on a Film Set, que a pesar de recordarme a veces a Drama deja atrás ese sentimiento con los buenos coros, mientras que Solitaire nos deleita con un precioso solo de Howe en guitarra clásica, los cuales ya extrañábamos.

El disco es bueno, pero inferior a su anterior álbum de una década antes, y se empieza a notar la intención de volver a la época del disco Drama, pero nada más se podía esperar si Horn estaba en la producción. Ahora la banda prepara una gira para promocionar este álbum, en el cual pesar de no estar ya con ellos, Oliver Wakeman también grabo sus partes. Pero nada será lo mismo sin Jon Anderson junto a ellos, su eterna y pacifica voz que centraba alrededor de la sublime instrumentalización del grupo ya no está. Pero siempre nos quedaremos con el recuerdo de aquella prodigiosa banda de Rock Progresivo que nos dejo boquiabiertos a muchos, esa que evolucionaba el género a un nuevo nivel de perfección, que cayó a lo más bajo, y que nos brindo momentos buenos y malos, pero que siempre fue y será, La Mejor Banda de Rock Progresivo de la Historia.

Lo Bueno

Lo Malo

Yes, La Banda Que Revolucionó el Rock Progresivo y la Historia de la Música. Parte IV

2011-07-21T16:06:00.000-07:00

X_ Digital Yes. El Fin de la Época de Trevor Rabin. (1993 – 1994)

Para 1993, Yes decidió comenzar con la grabación de un nuevo álbum, pero Rabin empezó a descubrir la tecnología digital, y decide utilizarla para mezclar el disco completo. El sello discográfico esperaba de que la formación más exitosa de Yes en lo que ventas respecta repitiera su éxito, así que le da todas las facultades probables al guitarrista, el cual se encarga de la producción, los sintetizadores, guitarras y composiciones, relegando al resto de la banda a tareas menores. Para la ocasión se invita a Roger Hodgson para componer un tema, el cual transformarían en un single. Todo esto llevo a que en 1994, y bajo una horrible portada, apareciera otro de los discos más mediocres de la banda, me refiero a Talk.

El disco contiene uno de los peores sonidos de la banda, una producción totalmente digitalizada y un cambio radical en la forma de instrumentar, además contiene algunas de las peores líneas vocales de Jon Anderson, el cual suena con un eco horrible, digno del peor y más grasoso disco de Glam Rock. Podemos hallar canciones detestables como I Am Waiting, la cual suena aburrida, cansadora y conformista, mientras que State of Play se escucha mas como un descarte del disco Dangerous de Michael Jackson con esas baterías electrónicas tratadas hasta más no poder, mientras que Walls, compuesta junto a Roger Hodgson, solo sirve para vomitar y convulsionar, parece canción country electrónica y agota más rápido que una jornada de oficinista. The Calling es un numero un poco menos malo que el resto, pero se pierde entre tanto digitalismo, pero también tenemos la peor suite del grupo, una tonada de casi quince minutos titulada Endless Dream, donde lo único rescatable es la experimental intro con los teclados de Kaye, pero que se pierde en un aburrido movimiento de guitarras inentendibles, mientras que su segundo movimiento aburre a más no poder, para terminar a un estilo muy And You and I, pero robotizado, tanto que llega a dar vergüenza que este disco exista y contenga semejantes insultos a la dignidad.

La predominancia de Trevor Rabin en el proyecto hacia esperar buenos resultados, pero el disco es fracaso en ventas y tiene una acogida demasiado tibia, demasiado diría yo, ya que a este disco no debiese darle ni media estrella, y la gira muestra una banda aburrida y envejecida, que sigue creyendo que la gente quiere oír más de lo mismo, mas AOR, siendo que en esa época el Grunge denominaba. Billy Sherwood se une al Talk Tour, que pisa Chile por primera vez, pero aun así el recibimiento de los nuevos temas es nulo. A finales de 1994, y bajo un tenso clima, Trevor Rabin decide dejar Yes para dedicarse a nuevos proyectos, y Tony Kaye también abandona la banda. Lo que se esperaba que sucediera después del estrepitoso Big Generator paso luego de lanzar una trilogía de discos pobres y mediocres.

XI_ Las Llaves del Ascenso. La Formación Clásica Regresa. (1995 – 1997)

Con Rabin y Kaye fuera del camino, el resto de los integrantes deciden retomar la música que hacían en la década de los 70s, es por eso que Anderson, Squire y White, deciden reunirse y reconciliarse con Rick Wakeman y Steve Howe, y así comienzan una serie de tres conciertos en California, donde interpretarían sus temas de la época clásica, es decir desde su primer disco hasta Tormato, y luego de eso comienzan a grabar material que tenían compuesto con anterioridad, ya sea en proyectos paralelos al grupo o en discos que nunca salieron, y así la formación clásica marca su regreso en dos discos, los cuales llaman Keys to Ascension.

El primero de los dos discos, lanzado en 1996, era un doble álbum, que contiene algunos de los temas registrados en la serie de conciertos realizados en San Luis Obispo, California, mas dos temas “nuevos” en estudio. Se destacan las soberbias interpretaciones de Awaken, donde nuevamente el intermedio de harpa se roba el protagonismo en un íntimo momento, la notable The Revealing Science of God, donde Howe demuestra su habilidad en la guitarra, mientras que Wakeman nos vuelve a deleitar con sus mágicos y veloces solos de teclado. También se encarga de revivir temas que tenían olvidado en su repertorio como el cover America, de Simon and Garfunkel, y aparece una versión de Onward que es mucho mejor que la original, con una impresionante intro de Steve Howe. El segundo disco contiene una buena versión de Roundabout y una épica performance del tema Starship Trooper, donde su tercer movimiento, Würm, es un buen espacio para demostrar los excelentes talentos de la banda, con solos de sintetizador y guitarra bajo el buen ritmo del bajo de Squire y la batería de White. El resto del disco son dos temas en estudio inéditos y grabados durante 1995 y mezclados durante al año 1996, uno es el regular Be the One, un tema que vuelve a la temática de las suites que empieza bien, pero sufre el defecto de ir debilitándose mientras avanza, y el otro tema es la notable That, That Is; una gran suite de diecinueve minutos donde el dueto Anderson/Howe, vuelve a la carga con increíbles ambientaciones, las cuales recuerdan un poco a los últimos discos que grabaron juntos, mas a Going for the One que a Tormato debo aclarar. El álbum vuelve a contar con Roger Dean en el diseño de la portada.

Al año siguiente aparece la secuela Keys to Ascension 2, donde aparecen los temas restantes de los conciertos de California y cinco temas en estudios, alguno de los cuales fueron escritos con mucha anterioridad. La parte en vivo contiene notables interpretaciones de los clásicos de su obra maestra Close to the Edge, y una hermosa Turn of the Century, donde Anderson baja un poco la escala para poder adecuarse al tema con su voz que era algo más baja que en aquellos años. Un momento emocionante es la resurrección de un tema muy olvidado por la banda, y me refiero a la ensoñadora Time and a Word, la cual vuelve a sonar después de haber sido interpretada por última vez durante el Going for the One Tour. La segunda parte del disco contiene los temas en estudio, como por ejemplo, Mind Drive, un tema escrito para el proyecto que Squire y White tenían con Jimmy Page y que no apareció en ningún álbum hasta ese año. El tema, el más largo de las cinco canciones en estudio, es algo aburrido, a pesar de que parte muy bien y posee buenos solos de teclados, el tema pierde consistencia después de la mitad del minuto ocho, pero después se recupera a punto de terminar. El resto de las canciones como Children of Light, que contiene partes compuestas por Vangelis, para su proyecto con Jon Anderson en los 80s, y elimina la intro de Rick Wakeman, aburre a más no poder y Sign Lenguage es un aburrido instrumental donde Howe toca sobre un sintetizador.

Luego de terminar los álbumes, Rick tiene desacuerdos con el grupo debido a la preferencia del material de Keys to Ascension a grabar nuevas canciones, así que decide retirarse, y así el esperanzador retorno de la formación clásica termina y nuevamente Yes se queda sin tecladista.

XII_ Tratando de Abrir los Ojos. Una Nueva Crisis y una Nueva Recuperación. (1997 – 1999)

Luego de la renuncia de Wakeman, Chris Squire se aboca en un nuevo proyecto junto a Billy Sherwood, al cual llaman Conspiracy. Es así como el dúo comienza a escribir material que poco a poco se fue transformando en canciones para Yes, aunque con una mínima colaboración de Anderson y Howe, lo cual causaría cierta molesta un tiempo después. El grupo comienza a grabar estas nuevas composiciones, ya con Sherwood como miembro fijo de la banda encargándose de los teclados, e invitan a dos tecladistas más para grabar algunos de los temas, uno de ellos es Steve Porcaro, integrante de Toto, y el ruso Igor Khoroshev. Ya con el material terminado y con algunos aportes de Anderson, quien al final quedo fascinado con el proyecto, y White, se graba y lanza en 1997 el disco Open Your Eyes.

El nuevo disco de Yes daba muchas esperanzas después del buen resultado de los Keys to Ascension, pero en realidad se trata de un mediocre álbum, largo, aburridísimo y lleno de tonadas seudo electrónicas, como por ejemplo las mediocres No Way We Can Lose, o la horrenda Man in the Moon, con esos coros nefastos, y esa base prefabricada que parece sacada de un descarte de algún disco de Alphaville, sobre todo por los malísimos teclados que suenan demasiado digitales para mi gusto. Otros momentos mediocres son Fortune Seller, las aburridísimas Love Shine y Wonderlove, la sobre producida Somehow, Someday; y para qué hablar de la popera New State of Mind, que es una canción que recuerda mucho la época de Trevor Rabin en la banda. From the Balcony es un tema algo más que rescatable, un calmado Jon Anderson cantando acompañado de la guitarra acústica de Steve Howe, lo cual se transforma que remite mucho a temas clásicos como Turn of the Century o Clear Days. Pero la que se lleva el título a la peor canción del disco es The Solution, una canción pop algo mediocre que empeora cuando a los 6 minutos comienza un ruido de pajaritos con un fondo de río y comienzan a repetir los horrendos estribillos de cada tema, sobre todo el de New State of Mind y el de Open Your Eyes. Esto hace que el disco cierre de manera nefasta y haciendo que incluso Union tenga un final más digno.

El disco es mal recibido por muchos, y alabados por otros, pero fue otro fracaso comercial para la banda. Aun así deciden partir de gira, la segunda que los trae a Chile, donde solo tocan un par de temas del nuevo álbum y reviven mucho del repertorio clásico de la banda, pero Billy Sherwood es removido de los teclados para encargarse de la segunda guitarra, y a veces guitarra líder en las canciones de la época Rabin, las cuales Howe odiaba tocar por no ser de su estilo. Pero la gira trae otra novedad y es el debut de un nuevo y talentoso tecladista, el ruso Igor Khoroshev, quien fue músico de sesión en la grabación de Open Your Eyes y ahora se transformaba en el nuevo miembro oficial de la banda.

Luego de terminar la gira, la banda decide grabar un nuevo disco, así que deciden acudir al famoso productor Bruce Farbain, quien estuvo detrás de los discos más exitosos de Bon Jovi, la recuperación de Aerosmith y algunos de los discos de AC/DC de principio de los 90s. Las sesiones iban funcionando bien hasta el trágico día en que Jon Anderson encontró muerto a Farbain en su habitación. La banda acude a su funeral y en un evento para recordarlo el vocalista junto a Howe le dedican Nine Voices, una de las nuevas canciones que trabajaban hasta el día de su muerte. Aun así logran salir del difícil momento y en 1999 aparece este nuevo disco bajo el nombre de The Ladder, el cual dedican al fallecido productor.

The Ladder contiene buenas canciones, entre las que destacan New Lenguage, una gran canción donde aparece una referencia a la clásica línea de bajo de Roundabout, la rescatable It Will Be a Good Day (The River), la cual contiene ciertas influencias orientales en su música, todo esto debido a Alan White, quien experimentaba con la World Music en esos años. The Messenger, un tributo a Bob Marley, tiene algo del buen reggae del jamaicano, pero se va evaporando el entusiasmo luego de un rato, mientras que Lightning Strikes arruina la continuidad que iba llevando el disco y Face to Face contiene una buena intro, pero todo queda en nada ya que se transforma en una especie de canción Pop. Pero Can I? es la canción que arruina el álbum y le baja el nivel de seriedad, sobre todo por su pobre referencia a We Have Heaven, mientras que Nine Voices se transforma en un buen cierre para el disco, sobretodo en un sentido homenaje para Farbain. Pero este disco tiene el lujo de tener la mejor canción que graba la banda desde 1977, me refiero a Homeworld (The Ladder), un tema que recuerda mucho a las canciones de aquella época de gloria de la banda, y donde Igor demuestra sus dotes en el teclado, el cual nos recuerda mucho al estilo de tocar de Wakeman, tanto que emociona la calidad de canción que se encarga de abrir este disco, uno de los mejores de la década junto al Keys to Ascension. Esta canción se transformaría posteriormente en la tonada para el juego Homeworld.

El disco fue bien recibido por la crítica y supuso una recuperación en las ventas del grupo, el cual comenzó una gira que quedo registrada en el DVD, Live at the House of Blues, donde a pesar de contener algunas de las canciones clásicas de Yes, tenemos también algunas de las peores tomas vocales de Anderson en un concierto. Este disco y DVD sería el último trabajo con Sherwood, quien disconforme con la dirección de la banda renuncia y deja a Yes nuevamente como un quinteto, el cual continua la gira que denominan Masterworks, donde reviven otro olvidado tema, de la época de Patrick Moraz, The Gates of Delirium. En uno de los últimos conciertos Khoroshev es demandado por acoso sexual por unas guardias del recinto donde tocaban, por lo cual la banda decide expulsarlo, quedando nuevamente sin tecladista.

El mejor tema de la decada de los 90s